Batman inicia (Batman Begins) – 2005

James Newton Howard y Hans Zimmer

El director Christopher Nolan ha sacado al personaje encapuchado de los mundos góticos, para ponerlo en un mundo más real, para explorar la psiquis de un hombre que decide vestirse de murciélago para atrapar criminales.

     Lógico es que la música presente un planteo totalmente distinto al de las bandas de Danny Elfman, responsable de las dos primeras entregas, dirigidas por Tim Burton. El estilo de Elfman, con las orquestaciones que acompañaban, cambió el sonido de las películas basadas en comics y presentó un score oscuro, gótico, cuyo tema se podía tararear después de haberlo oído la primera vez. Elliot Goldenthal, responsable de la música de la tercera y cuarta entrega, si bien utilizó bronces que alivianaron el score, mantuvo bastante lo creado por Elfman. Ambos se cuidaron de tener subtemas distintivos para los villanos así como un ambiente estructurado en toda la banda.

     En Batman Begins todo es diferente. James Newton Howard y Hans Zimmer se centraron en la idea clave del film: el miedo y la relación de Batman con él, además de su complejidad como personaje. Este no es el Batman triunfador de la primera película, es el Batman temeroso, asolado por la culpa que recién empieza su cruzada y eso se refleja en la música.

     Para la primera mitad del álbum, este es el tratamiento base de la banda sonora: establecer el ambiente. Sólo hay un indicio de acción que aparecerá en la segunda parte.

     Todos los tracks tienen nombres latinos de distintas especies de murciélagos. El álbum comienza con “Verspertilio”, una pieza con mucha percusión que utiliza sonidos para simular a un murciélago gigante moviendo sus alas. (Esto se repetirá en varias partes de la banda.) En la mitad de este tema, un acorde de bronces de dos notas subiendo y bajando marcará el tema central, que surgirá completamente orquestado en “Barbastella”, aproximadamente en el minuto 4.

     El tema central del film es el miedo. “Artibeus” y “Tadarida” contiene momentos que parecen pertencer a una película de terror, reflejando este miedo al que hacemos referencia. Susurros y ambientes oscuros abruman mientras frenéticas cuerdas surgen de improviso para terminar de alterarnos. Estos momentos de terror se aprecian cuando “The Scarecrow” hace de las suyas en la pantalla.

     Si bien la película se considera “de acción”, no es una banda sonora típica de estos films. Las escenas de ataque de murciélagos son tratadas con caóticas cuerdas. “Myotis” es el primer track que introduce acción, a la vez que nos deja oír por primera vez el tema principal de Batman, una progresión de dos notas alternando rítmicamente cuerdas reales y electrónicas.

     La acción regresa en “Antrozous” y en “Molossus”. En este último, probablemente el mejor tema de acción de la banda, una vez que comienza, no decae y se destaca como un gran tema.

     Se usó más tecnología para crear sonidos que una simple orquestación, para reflejar justamente todos los aparatos y tecnología que emplea Batman. Si bien se usan cellos y otros instrumentos para orquestar, el clima realmente oscuro lo dan los instrumentos electrónicos, que aparecen más notablemente para representar el aleteo de las alas del murciélago –al principio y al fin de la película– y durante el escape de Wayne de su lugar de entrenamiento y durante la pelea del monorraíl.

     Los temas más sensibles dedicados al interés amoroso y a Alfred, así como los flashbacks de la infancia de Wayne son tratados con un suave subtema en piano. El punto fuerte de este álbum es la representación del aspecto psicológico de la historia, funcionando de maravillas en el contexto de la película, complementándola. Quizás por esto, la banda se disfruta más luego de ver el film.

     La colaboración de los dos artistas, Zimmer y Newton Howard funciona muy bien, ya que han conseguido realmente trabajar juntos en cada track, y no tener un tema cada uno o una poción de la banda que se diferencie como de uno u otro. El score es fluido, aunque quizás el resultado final se acerque más al estilo de las obras de Zimmer.

Título: Batman Begins
Año: 2005
Sello discográfico: Warner Sunset Records
Compositores y productores: Hans Zimmer, James Newton Howard
Música adicional: Ramin Djawadi, Mel Wesson


Temas:
• 1. Vespertilio (2:52)
• 2. Eptesicus (4:20)
• 3. Myotis (5:46)
• 4. Barbastella (4:45)
• 5. Artibeus (4:19)
• 6. Tadarida (5:05)
• 7. Marcrotus (7:35)
• 8. Antrozous (3:59)
• 9. Nycteris (4:25)
• 10. Molossus (4:49)
• 11. Corynorhinus (5:04)
• 12. Lasiurus (7:27)

Para oír:
Vespertilio
http://www.youtube.com/watch?v=2HCMwQ7r2mk

Eptesicus
http://www.youtube.com/watch?v=pajB19UQhM0&NR=1

Antrozous
http://www.youtube.com/watch?v=qUaxX2JK9tg&feature=related

Molossus
http://www.youtube.com/watch?v=zX5AL1etMwk&feature=related


Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com

Ed Harris (28 de noviembre de 1950)

Ed Harris tiene una intensidad que pocos actores pueden lograr y sus interpretaciones son tan sutiles que para la gente su rostro resulta familiar pero pocos recuerdan su nombre.


     Facciones angulares, muy rubio, de intensos ojos azules, rasgos típicamente estadounidenses y frente amplia, Harris es el hombre de la calle, ni alto ni bajo, de buena presencia pero que no desata grandes pasiones.

     Su filmografía incluye una lista de grandes interpretaciones que, sin embargo, no le han traído el reconocimiento del público masivo, si bien es admirado por sus pares y ampliamente valorado, hasta el punto de sostener una película él solo. Harris va camino a ser recordado como uno de los grandes actores de carácter del cine norteamericano.

     Nacido en la pequeña ciudad de Tenafly, en Nueva Jersey, pronto se mudó a Oklahoma para jugar fútbol americano, pero esta pasión pronto sería opacada por la actuación. A los 25 años se licenció en arte dramático en el California Institute of the Arts e inmediatamente comenzó a trabajar.

     De sólida formación teatral, debutó en los escenarios de New York en el año 1983, en una obra de Sam Shepard llamada “Fool for love”, interpretación por la que obtuvo un premio Obie. Más tarde se trasladaría a Los Ángeles para participar de adaptaciones teatrales de “Un tranvía llamado deseo”, “Hamlet”, “Dulce pájaro de juventud” y “Viñas de ira”, en donde se sucedieron los aplausos por su trabajo, además de una candidatura al Tony (el Oscar del teatro) por “Precious son”.

     Estos trabajos en el teatro le dieron una especial profundidad en sus interpretaciones que luego trasladó a sus intervenciones cinematográficas. Después de hacerse un nombre como un poderoso intérprete en teatro, y de un par de intervenciones en series de Tv, debutó en el cine en 1978 en “Coma”, dirigida por el novelista Michael Crichton (autor de la novela Jurassic Park) haciendo uno de esos papeles que ni tiene nombre (era el “residente de patología # 2”) y consiguió su primer papel importante, aunque secundario, en 1980 junto a Charles Bronson en “Borderline”. Siguió trabajando en Tv, en apariciones esporádicas.

     Un año después, George A. Romero se ubica como su verdadero descubridor en el cine cuando le dio el papel de un motoquero salido de las leyendas del Rey Arturo en “Knightrider”. Romero decidió buscar un actor capaz de representar una imagen deformada del mítico Rey Arturo, soberano de una Camelot de los años setenta convertido en circo ambulante habitado por motoqueros, ángeles del infierno y seguidores entusiastas de las leyendas del Medioevo. Harris cumplió a la perfección con su personaje brindando algo que iba a mantenerse en todos sus posteriores papeles: credibilidad.

Knightrider

A esta película le siguió en 1982 un episodio de “Creepshow”, también dirigida por Romero. Y en el medio participaciones en las series “Chips” y “Los Hart”.

     Ed Harris es uno de los héroes de una pieza más completos del cine norteamericano moderno, como demostró encarnando al astronauta John Glenn en “Elegidos para la gloria”, una larga película que fue atractiva para el resto del mundo debido al excelente reparto que tenía, actores siempre prometedores aún en papeles simples o absurdos, es decir, que pertenecen al mismo grupo de Harris. Ahí estaban Sam Shepard, Scott Glenn, Dennis Quaid, Fred Ward, Barbara Hershey, Kim Stanley, Veronica Cartwright, Pamela Reed, Scott Paulin, Charles Frank, Lance Henriksen, Donald Moffat, entre otros.

Elegidos para la gloria

Basada en la novela de Tom Wolfe del mismo nombre, la película fue alabada por su alcance épico y sus grandes actores; aunque no consiguió dar un espaldarazo definitivo a sus actores, les brindó reconocimiento mundial y Harris comenzó a ser más solicitado para otros trabajos.

     A partir de aquí, Ed Harris se convirtió en el “niño mimado” de los críticos, pero no tuvo suerte con sus films. En la década del ’80 parecía que si encabezaba un film, éste no triunfaba. Si bien realizó brillantes y conflictivos papeles, no afectaban a la audiencia. Cuando trabajó como secundario, sin embargo, triunfaba, aunque no necesariamente a nivel económico. Después del carismático marido de Goldie Hawn en "Swing Shift" (1984), Harris hizo una fuerte impresión como un esposo engañoso en “En un lugar del corazón”, junto a Sally Field, Danny Glover y John Malcovich. Aquí conoce a Amy Madigan, con quien se casó antes de encabezar "Alamo Bay" (1985) de Louis Malle.

En un lugar del corazón

Amy Madigan

Su esposa también pertenece a esa rara especie de actores que prefieren seguir gustos personales y realizar obras de teatro o films independientes, alejándose de una carrera comercial. Desde el comienzo Harris intercaló trabajos en televisión con obras de teatro. Luego al hacerse ya un nombre, no perdió esta costumbre de alternar grandes películas en cine con buenas obras de teatro, llegando incluso a rechazar proyectos fílmicos para dedicarse a su primer amor. Esto no le impidió que sus coterráneaos se acostumbraran a verlo en pequeños papeles, sin considerarlo por ello un actor secundario. Más bien se lo cataloga como un primer actor ejerciendo su protagonismo en un segundo plano de la historia. Hay pocos capaces de hacerlo (mejor dicho, de tolerarlo), en general actores de gran trayectoria como Gene Hackman o Michael Caine. Es un difícil ejercicio de equilibrio seguir siendo el mejor en la escena sin robar el protagonismo a la estrella de turno.

     Al llegar los ’90 era un reconocido intérprete, sus papeles fueron más consistentes y pronto solidificó su reputación. Fue el problemático veterano, compañero de borrachera de Robert de Niro en “Cicatrices de guerra”, agente de la ley en “Fachada”, militar digno pero equivocado en “La roca”, jefe mafioso irlandés capaz de mandar asesinar a su propio hermano en “Tiro de gracia” o padre sumido en el dolor luego de la violación y asesinato de su hija en “Ojo por ojo”, jefe de control de vuelo en “Apolo XIII”, el creador de “The Truman show”…

     Harris también tiene su cuota de personajes basados en la vida real. Además de la biográfica “Pollock”, fue Beethoven en “La pasión de Beethoven”, el ex espía de la CIA, E.Howard Hunt en “Nixon” de Oliver Stone y William Walker, un americano del siglo XIX que se autodesignó presidente de Nicaragua en “Walker”.

Apolo 13

The Truman show

La pasión de Beethoven

Fachada

Se destaca por su capacidad para hacer cualquier tipo de papel con similares buenos resultados y eficacia. Tiene la capacidad de ejercitarse como actor interpretando a héroes tan castos y puros, pero a la vez tan humanos, como el astronauta John Glenn en “Elegidos…”, como a un asesino tan terrorífico como Blair Sullivan en “Causa justa”. No se puede imaginar películas como “El abismo” sin verlo en su papel de buceador veterano, con problemas, curtido en aventuras, pero a la vez sensible, o “La bahía del odio”, donde su militante del Ku-Klux Klan puede ser simpático al público en ciertos momentos a pesar de sus ideas racistas.

     Estos filmes definitivamente no serían lo mismo sin sus personajes. Con “Quédate a mi lado”, volvió a aparecer como la única opción para un personaje que abandona a su familia para caer en brazos de Julia Roberts y enterarse luego que su ex esposa está enferma. Tenía que ser alguien que hiciera lo correcto para todos los involucrados, alguien tan decente que la gente no odiara y mereciera ser feliz junto a Julia Roberts.

El abismo

Quédate a mi lado

Harris hizo su debut detrás de cámaras en el año 2000 dirigiendo “Pollock”, aunque ya tenía experiencia dirigiendo obras de teatro. Este proyecto, que venía preparando desde hacía una década, se concretó como una obra independiente para retratar la vida del pintor impresionista Jackson Pollock, siguiéndolo desde su alcoholismo desesperado hasta el descubrimiento de su estilo y su éxito hasta su vuelta al alcoholismo y muerte en un accidente de autos.

     Hábilmente, se rodeó de un grupo de amigos para contar la historia: Marcia Gay Harden fue su esposa, Jennifer Connolly fue la fan con la que Pollock tiene un romance y Amy Madigan fue Peggy Guggenheim, la dueña de la galería en donde se presentó su trabajo por primera vez.

     La película fue premiada en el Festival de Venecia del 2000, además de conseguirle un Oscar a Marcia Gay Harden como actriz de reparto y una nominación al Oscar para el propio Harris como actor principal. Sería su tercera nominación. En 1995 lo había sido por “Apolo XIII” y en 1999 por “The Truman show”, en ambos casos como actor secundario.

Es un actor tan sensitivo, valiente y fuerte que se animó a participar en un film rodeado de uno de los repartos femeninos más impresionantes de los últimos años sin desaparecer entre ellas. Así, en 2002, se reunió con Judi Dench, Nicole Kidman, Julianne Moore, Meryl Streep, Miranda Richardson, Toni Collette y Eileen Atkins para interpretar a un escritor muriendo de Sida en "Las horas". Era el único capaz de tener una presencia actoral y gran dignidad humana como para convencer pero sin necesidad de acaparar la atención en cada escena. En este film vuelve a entregar una impresionante actuación mientras su personaje lucha con la enfermedad, sus relaciones con mujeres cruciales en su vida y sus razones para seguir viviendo; conociendo que el fin está cerca y temiendo la pérdida de la dignidad, toma una decisión en una de las escenas más conmovedoras e impactantes del cine, lo que le valió su justa y merecida tercera nominación para un Oscar como actor de reparto.

Las horas

También de este año es “Una mente brillante”, en donde interpreta a un oscuro agente secreto que pretende que el personaje de Russell Crowe, el matemático John Nash, lo ayude a descifrar un código secreto durante la Guerra Fría.

Una mente brillante

Al año siguiente se lo ve como el abusivo ex esposo de Nicole Kidman en el rol secundario en “La piel del deseo” (también conocida como “La mancha humana”) (2003) y en “Me llaman Radio” como un entrenador de football americano que apuesta por la integración de un retrasado mental a su equipo.

     Vuelve a hacerse evidente el inmenso rango que Harris maneja para ser creíble en los buenos hombres de “Quédate a mi lado” y “Eligiendo mamá” como en las bestias de “Causa justa” y “La piel del deseo”.

     Después de participar en la miniserie de HBO “Empire Falls”, aparece con toda su potencia en “Una historia violenta”, de David Cronenberg, en 2005, jugando una amenazante y oscura figura que acecha al protagonista interpretado por Viggo Mortensen. Su perfecta mezcla de amenaza y humor es uno de los destaques de un film tenso.

     En 2008 vuelve a dirigir, en este caso un western en donde un Marshall de los Estados Unidos debe limpiar la ciudad de New México después que una banda asesinó al sheriff anterior. Acompañado otra vez por Viggo Mortensen realizó “Entre la vida y la muerte” (Apaloosa).

Pero si hay una palabra que defina a este actor es "impredecible". Además de los personajes ya citados fue: mercenario en “Bajo fuego”, pescador en “La bahía del odio”, francotirador alemán en “Enemigo al acecho”, y un policía en “Desapareció una noche”, además de ser el antagonista de Nicolas Cage en “La leyenda del tesoro perdido 2: El libro de los secretos”. Otro detalle para resaltar es que siempre está alternando su carrera cinematográfica con el teatro, siempre siguiendo obras que le parezcan interesantes para su crecimiento actoral, aunque no sean megahits de taquilla. Es por eso que también se lo ve en telefilms siempre que la historia lo conquiste.

     Transformándose en sus personajes –sin necesidad de demasiados artificios de maquillaje- y atrayendo a la audiencia, Harris se ha ganado la reputación de uno de los más talentosos actores de nuestra época. Tanto como protagonista como secundario, Harris ha conseguido ganar la confianza del público.

     Probablemente si “El abismo” hubiera sido un éxito rotundo, Harris habría podido optar por el estrellato, pero al no tener ese físico privilegiado de muchos actores carilindos, él tiene que trabajar a los personajes, tiene que convencer interpretando, y es por ello que sigue brindando personajes inolvidables. La suerte es para nosotros que Harris no haya alcanzado la fama mundial. El es un actor, no una estrella.


Filmografía seleccionada:
2011 That's What I Am …………………. Mr. Simon
2011 Salvation Boulevard ……………….. Dr. Paul Blaylock
2010 What's Wrong with Virginia …………. Sheriff Dick Tipton
2010 The Way Back ………………………. Mr. Smith
2010 Los caídos (Once Fallen) …………….. Liam
2008 Entre la vida y la muerte (Appaloosa)…………. Virgil Cole
2007 La leyenda del Tesoro perdido 2: el libro de los secretos (National Treasure: Book of Secrets)……………… Mitch Wilkinson
2007 Sin rastros (Cleaner)………………….. Eddie Lorenzo
2007 Desapareció una noche (Gone Baby Gone) ……………. Remy Bressant
2006 La passion de Beethoven (Copying Beethoven) ………… Ludwig van Beethoven
2005 Winter Passing ……………….  Don Holden
2005 Empire Falls (TV movie) ………  Miles Roby
2005 Una historia violent (A History of Violence) …………….. Carl Fogarty
2003 Me llaman Radio (Radio) ………………….. Coach Jones
2003La piel del deseo (The Human Stain) …………. Lester Farley
2002 Las horas (The Hours) …………… Richard Brown
2001 Una mente brillante (A Beautiful Mind) …………… Parcher
2001 Buffalo Soldiers ………………….. Colonel Berman
2001 Enemigo al acecho (Enemy at the Gates) ………………. Major König
2000 Pollock …………………….. Jackson Pollock
2000 Despertando a la muerte (Waking the Dead) ………. Jerry Charmichael
1999 El tercer milagro (The Third Miracle) ………………. Frank Shore
1998 Quédate a mi lado (Stepmom) …………………. Luke Harrison
1998 The Truman Show ………………. Christof
1997 Poder absolute (Absolute Power) ………. Seth Frank
1996 La roca (The Rock) …………… Brigadier General Francis X. Hummel
1996 Ojo por ojo (Eye for an Eye) …………….. Mack McCann
1995 Nixon …………………………. E. Howard Hunt
1995 Apollo 13 ………………………. Gene Kranz
1995 Causa justa (Just Cause) ………….. Blair Sullivan
1994 Eligiendo mamá (Milk Money) ……… Tom Wheeler
1994 Apocalipsis (The Stand) (TV mini-series)…………. General Starkey
1994 China Moon ………………… Kyle Bodine
1993 La tienda de los deseos malignos (Needful Things) …………. Sheriff Alan Pangborn
1993 Fachada (The Firm) ………………. Wayne Tarrance
1992 Compañeros de formula (Running Mates) (TV movie) ………… Hugh Hathaway
1992 El precio de la ambición (Glengarry Glen Ross)………………… Dave Moss
1991 Paris Trout ………………………… Harry Seagraves
1990 Tiro de Gracia (State of Grace) ……. Frankie Flannery
1989 El abismo (The Abyss) ……………… Virgil 'Bud' Brigman
1989 Cicatrices de Guerra (Jacknife) ………. David 'High School' Flannigan
1988 Complot contra la libertad (To Kill a Priest) ………….. Stefan
1987 Walker …………………. William Walker
1987 The Last Innocent Man (TV movie) ……………. Harry Nash
1985 Dulces sueños (Sweet Dreams) ………………… Charlie Dick
1985 La bahía del odio (Alamo Bay) ………………… Shang
1984 En un lugar del corazón (Places in the Heart) ………..Wayne Lomax
1984 Swing Shift …………………….Jack Walsh
1983 Elegidos para la Gloria (The Right Stuff) ………….. John Glenn
1983 Bajo Fuego (Under Fire) …………………….. Oates
1982 Creepshow ……………….. Hank Blaine (segment "Father's Day")
1981 Knightriders ………………….. Billy
1978 Coma ……………………. Pathology Resident #2

Desapareció una noche

Una historia violenta

Me llaman Radio

The way back

La roca

Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com

El nacimiento de una leyenda: David W. Griffith

David Wark Griffith es el pionero del cine estadounidense que se reveló como el director más importante de los comienzos del cine.


     Fascinado por las escenas de persecuciones y acciones paralelas que había conseguido Edwin S. Porter en su “Asalto y robo al tren” (1903), empieza su carrera como director en 1908, buscando una narrativa que se alejara de los orígenes teatrales. Hasta ese entonces, los filmes encuadraban un escenario en el que los actores debían desplazarse y gesticularm mientras una cámara fija los toma de cuerpo entero, tal y como los habría visto un espectador desde una butaca de un teatro.

     En su primera etapa, que va de 1908 a 1914, Griffith convirtió al cine en un arte narrativo basado en el montaje: divide el film en secuencias; explota a fondo las acciones paralelas, de manera especial las persecuciones; cambia el ángulo de la cámara, multiplicando los puntos de vista; dinamiza la narración (con diferentes tramas, personajes principales y secundarios); maneja todo tipo de planos desde el general a los primeros planos, que le permiten realzar el gesto del actor evitando la mímica excesiva.

     Con su siguiente película, Griffith entrará en una nueva etapa, caracterizada por el empleo del cine como espectáculo y como medio de acción social. “El nacimiento de una nación” (The Birth of a Nation, 1915) es un film épico sobre la Guerra de Secesión de los EE.UU., en donde se presentaron situaciones innovadoras -ahora clásicas del cine- como el salvataje a último momento que transportaba al público a un estado en que sólo el cine con su movimiento podía lograrlo. Aquí, Griffith da clases de cine en grandiosas escenas como el incendio de Atlanta o en episodios interiores como el asesinato de Lincoln. Si bien el film es decididamente sectarista (justificando, por ejemplo, el surgimiento del Ku Klux Klan) fue un suceso en el momento de su estreno, permaneciendo casi un año en cartelera y llegando a Europa, y aún hoy se la valora como obra maestra.

El nacimiento de una nación

El punto culminante de la obra de Griffith es “Intolerancia” (Intolerance: Love's Struggle Throughout the Ages, 1916). Obra monumental que entrecruza cuatro momentos históricos -la caída de Babilonia; la crucifixión de Cristo en Jerusalén; las guerras religiosas en Francia, con la matanza de la Noche de San Bartolomé; y la América contemporánea, con la condena de un inocente por un error judicial- para establecer constantes paralelismos entre ellos y culminar en un final que ata todos los cabos. Asombra por sus gigantescos decorados, el manejo de las masas, la acción dramática, contada con acciones paralelas durante su último episodio, así como su original estilo de narración.

     El fracaso comercial de “Intolerancia” (el público no estaba acostumbrado a seguir tramas tan complejas) significó el final de las experimentaciones de Griffith, quien quedó arruinado. Hoy se la sigue considerando una verdadera obra maestra de la cinematografía.

Sus melodramas --“Lirios rotos” (Broken Blossoms or The Yellow Man and the Girl, 1919) o “Las dos huerfanitas” (Orphans of the Storm, 1921-- le sirvieron para explotar la expresividad de sus actores (en especial a Lillian Gish), creando mundo sentimentales que lograban la empatía de los espectadores.

     Figura imperecedera de la historia del cine, maestro de discípulos como Eisenstein y Gance, descubridor de grandes estrellas (Lillian Gish, Mary Pickford, Lionel Barrymore), Griffith marcó una etapa esencial en la industria cinematográfica norteamericana y fue un verdadero genio de la gramática fílmica, sentando las bases de un arte, a sólo 20 años de su nacimiento.

Lillian Gish

Mary Pickford

Lionel Barrymore

Además de Griffith, otro director que marcó la época fue Erich Von Strohein, quien desempeñó varios oficios hasta llegar a participar como extra de algunos filmes. Después de conseguir dirigir un par de películas, realiza sobre la novela de Frank Norris, una de las mejores películas de la historia: “Codicia” o también conocida como “Avaricia” (Greed, 1923), una pieza sobre las debilidades humanas, cuidadosamente elaborada, llegaba a las cinco (5) horas de duración, pero un montaje final la redujo a menos de tres (3) horas, ante la desesperación de su director. Rodada en escenarios naturales, es la gran obra del realismo cinematográfico norteamericano y una de las mejores a nivel mundial.

     Los primeros años del cine se vieron marcados por la aparición de las primeras estrellas. Mary Pickford, la “novia de América”, que enamoraba a todos con su candor en películas como “La pequeña heroína” de 1917 y “La pequeña Anita” de 1925, fue uno de los primeros mitos. Su casamiento con otro astro del cine mudo, Douglas Fairbanks (héroe de películas de aventuras, como “La marca del zorro” en 1920, “Robin Hood” en 1922 o “El ladrón de Bagdad” en 1924) no sólo fue un suceso en sí mismo sino que fue el origen de la productora United Artists, fundada junto a David W. Griffith y Charles Chaplin.

    También surgieron en esta época Tom Mix y William S.Hart como íconos del western, mientras que Rodolfo Valentino con sus filmes de aventuras exóticas como “El jeque blanco” (1921) se posiciona como un latin lover de leyenda. Gloria Swanson fue la comediante del momento.


Lic. Diana Lombardo
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La roca (The Rock) – 1996

Nick Glennie Smith, Harry Gregson Williams, Hans Zimmer


Esta banda de sonido, junto con la de Marea Roja (Crimson Tide, 1995) comenzó una serie de acompañamientos musicales más frenéticos en ritmo y con bases más electrónicas, aportando un fondo vibrante a películas de acción. Al participar tres diferentes compositores, que tienen distintos estilos, se pueden distinguir tres temas principales con motivos que se irán alternando a lo largo del film.

     Si bien el tema del comienzo del film, “Hummell Gets The Rockets” (escrito por Hans Zimmer) es una representación general de la banda completa, la mayoría de las creaciones de este autor parecen centradas en el malo de la película (representado por Ed Harris), dándole un carácter de trágica nobleza, acorde con el personaje.

     Empieza con suaves cuerdas para bajar en un tono triste y grave (acorde a las imágenes) para subir luego con gran percusión y bronces creando el tema de La Roca. También se pueden oír coros y una instrumentación electrónica, que si bien crean un clima “pesado”, alcanzará una estatura heroica hacia el final.

     Los otros dos temas centrales pertenecen a Glennie-Smith. Uno sigue a la secuencia de apertura y presenta a La Roca. Se lo puede oír claramente en el final de “Hummel Gets the Rockets” y en el comienzo de “Rock House Jail”, donde explota con una gran percusión y bronces volviendo al tema central, y oscilará en volumen y ritmo fluidamente durante los diez (10) minutos de la obra.

     El otro tema representa al elemento familiar. En “Jade”, en el final de “Rocket Away” y en “Fort Walton, Texas” se oyen dulces elementos irlandeses, tanto en su estructura musical como en los instrumentos de viento que emplea, presentando una bellísima pieza sin ninguna complejidad y de gran dulzura gracias al empleo de una flauta como instrumento principal. En “Fort Walton, Texas” si bien se emplea la flauta (elemento de “Jade”) también tiene un aire representativo del medio-oeste americano, ambientando la acción.

     El estilo sintético de La Roca está remarcado en las creaciones de Gregson-Williams. Bajos retumbantes, guitarras eléctricas y teclados acelerados decoran “In the tunnels” y “The Chase”. En este caso, cuerdas rápidas y bronces transmiten una impresionante persecución de autos por las calles de San Francisco, que extrañamente está al final del cd, aunque la acción ocurre en la primera mitad de la película.

     Para algunos la banda en general parece sin coherencia, debido a problemas de visiones entre los tres artistas y posiblemente al poco tiempo para tratar de unificar los tres temas anteriores y darles una unidad. Para muchos este estilo algo estruendoso puede ser molesto. Particularmente me inyecta energía y me levanta el ánimo. La sigo escuchando aunque ya hayan pasado unos años, y me sigue gustando la mezcla de energía, melancolía y ternura en toda la banda, aunque no tenga una línea general coherente. Para mí, una de las mejores en lo que respecta a películas de acción, que no aburre y que tiene estas partecitas que uno termina tarareando en un día cualquiera.

     Un detalle a tener en cuenta al oír este cd, es que acompaña perfectamente a las imágenes. Acentúa las partes tristes y las de acción, por lo que al oírlo sin referencia a la película puede parecer extraño cómo un solo tema cambia de clima dos o tres veces. A lo que me refiero es que hay bandas de sonido que funcionan solas, como bellas melodías que cuadraron bien con una película en particular. Esta banda funciona genialmente con la película y se la disfruta y valora más luego de haberla visto.

Título: The Rock
Año: 1996
Sello discográfico: Hollywood Records
Compositor, productor y conductor: Nick Glennie-Smith, Hans Zimmer, Harry Gregson-Williams



Temas:
1. Hummell Gets The Rockets 6:25
2. Rock House Jail 10:12
3. Jade 2:01
4. In the Tunnels 8:40
5. Mason's Walk - First Launch 9:34
6. Rocket Away 14:25
7. Fort Walton - Kansas 1:37
8. The Chase 7:35


Para oír:


Hummel gets the rockets
http://www.youtube.com/watch?v=rk41VOPnj44

Jade
http://www.youtube.com/watch?v=kgB_9cZy4UM

The chase
http://www.youtube.com/watch?v=mD9gd25ySOA



Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com

Sir Alec Guinness (1914-2000)

Cuando se habla de actores clásicos ingleses, el primer nombre es Sir Laurence Olivier. Pero para las nuevas generaciones es Alec Guinness un referente, ya que todos conocemos a Obi Wan Kenobi.


     Nacido en Londres el 2 de abril de 1914, su carrera obviamente no empieza con La guerra de las Galaxias. En 1934 debuta en el teatro como extra y a partir de 1936 comienza a relacionarse con las obras de William Shakespeare, Bernard Shaw y Anton Chéjov, trabajando con actores de la talla de Laurence Olivier y John Gielgud. Como nota personal, es aquí donde conoce y se enamora de Merula Salaman, una joven actriz de su compañía, quien sería su esposa durante 62 años. En 1941 ingresa como marinero raso a la armada (Royal Navy).

     Salvo una aparición como extra en 1934, el comienzo de su carrera cinematográfica data de 1946. Pero será en 1950 cuando llame la atención del público en Ocho sentencias de muerte, en donde crea a ocho personajes de una misma familia, incluyendo a uno femenino. Tamaña hazaña interpretativa lo populariza en todo el Reino Unido.

     Durante la siguiente década, trabajando para los estudios Ealing, su trayectoria fue casi impecable, con un destaque especial en su última producción, El quinteto de la muerte. Así, a través de personajes muy disímiles entre sí que se convierte en la encarnación del humor inglés.

El cura

Lady Agatha

Pero Alec Guinness también dejará huella realizando personajes dramáticos, en especial el de El puente sobre el río Kwai (1957), por la que recibió un Oscar. Su férreo coronel Nicholson fue no sólo verosímil, sino humano y casi conmovedor en su tozudez militar.

El puente sobre el río Kwai

En 1959, la reina Isabel de Inglaterra lo nombró caballero (Sir) por sus logros en el espectáculo.

     Otros notables films en esta etapa fueron El cisne (The Swan, 1956), junto a Grace Kelly; Un genio anda suelto (The horse’s mouth, 1958), en donde interpretaba a un pintor borracho y además colaboró con el guión –por lo que será nominado a un Oscar-; La caída del Imperio Romano (The fall of the Roman Empire, 1964); La alegre historia de Scrooge (Scrooge, 1970), haciendo de el fantasma de Marley; Hitler: sus últimos diez días (Hitler: the last ten days, 1973), realizando lo que él consideró su mejor interpretación del personaje principal.

     En 1976 participa en la obra de Neil Simon, Un cadáver a los postres (Murder by Death), con una divertidísima interpretación del mayordomo ciego, junto a Peter Sellers, Peter Falk, Eileen Brennan y Maggie Smith, entre otros.

     La participación en La Guerra de las Galaxias (Star Wars, 1977) le trajo reconocimiento mundial para una nueva generación y una nominación al Oscar como actor de reparto. Guinness participó con la condición de no tener que promover el film, y fue uno de los pocos participantes de la película que creyó que iba a ser un gran suceso, por lo que negoció un porcentaje en las ganancias.

La guerra de las galaxias

De todas formas, Guinness no era un fan de esta trilogía (recordemos que sus orígenes artísticos se acercaban a Shakespeare) molestándose al ser sólo relacionado con estos films por la juventud. Por el contrario, sus compañeros elogiaban su cortesía y profesionalismo, además de ser un gran trabajador, y que nunca mostró el desagrado que le producía el material. Esto sólo se supo cuando escribió sus memorias.

     En 1980 recibió un Oscar Honorario “por engrandecer el arte de la interpretación cinematográfica” y en 1988 su última nominación como actor de reparto por (Little Dorrit).

     Alec Guinness no sólo fue un actor prodigioso por su técnica sino que su rostro dócil y maleable –casi olvidable– le permitió desaparecer en el personaje y convertirlo en una gran creación.

     Su ductilidad residía en su habilidad para la transformación física. Fue japonés, árabe, indio, cardenal, emperador romano, espía, gurú galáctico y una dama octogenaria (entre otros).

     Guinness murió el 5 de agosto de 2000 de cáncer de hígado, en Midhurst, Sussex, Inglaterra. Su viuda murió dos meses después de cáncer, también a los 86 años y fue enterrada junto a él.


Filmografía seleccionada:
1994 - Testigo mudo (Mute Witness) ………… The Reaper/ La Parca (acreditado como Mystery Guest Star “misteriosa estrella invitada”)
1991 - Kafka …………………………… el conserje mayor
1988 - La pequeña Dorrit (Little Dorrit) ………….. William Dorrit
1984 - Pasaje a la India (A Passage to India) ……… Godbole
1983 - El regreso del Jedi (Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi ) …..… Ben 'Obi-Wan' Kenobi
1983 - Lovesick ( Enfermo de amor) ………………. Sigmund Freud
1980 - El imperio contraataca (Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back) ………. Ben 'Obi- wan' Kenobi
1977 - La guerra de las galaxias (Star Wars) ………. Ben Obi-Wan Kenobi
1976 - Un cadáver a los postres / Asesinato por muerte (Murder by Death) ……. Bensonmum , el mayordomo
1973 - Hitler: los últimos diez días (Hitler: The Last Ten Days) ………… Adolf Hitler
1972 - Hermano sol, hermana luna (Fratello sole, sorella luna ) …………. Papa Inocencio III
1970 - La alegre historia de Scrooge (Scrooge) …………… El fantasma de Jacob Marley
1970 - Cromwell ………………………… Rey Carlos I
1967 - Los comediantes (The Comedians) ………………. Major H. O. Jones
1966 - Hotel Paradiso …………………… Benedict Boniface
1965 - Doctor Zhivago ………………….  Yevgraf
1964 - La caída del imperio romano (The Fall of the Roman Empire) ……… Marco Aurelio
1962 - Lawrence de Arabia  ……………………. Prince Feisal
1961 - A Majority of One ……………………….  Koichi Asano
1959 - Nuestro hombre en La Habana (Our Man in Havana) ………….. Jim Wormold
1958 - Un genio anda suelto (The Horse's Mouth) …………………… Gulley Jimson
1957 - El puente sobre el río Kwai (The Brige on the river Kwai) ………. Cnel. Nicholson
1956 - El cisne (The Swan) ……………….. Príncipe Alberto
1955 - El Quinteto de la muerte (The ladykillers) ………….. Profesor Marcus
1955 - El prisionero (The Prisoner) …………………. El Cardenal
1955 - A Paris con amor (To Paris with Love) ………… Cnel. Sir Edgar Fraser
1954 - El detective / Padre Brown (Father Brown) …….. Padre Brown
1953 - El paraíso del Capitán (The Captain's Paradise) …………… Cap. Henry St. James
1951 - El hombre vestido de blanco (The Man in the White Suit) ……………. Sidney Stratton
1951 - Oro en barras (The Lavender Hill Mob) …………. Henry Holland
1950 - Las últimas vacaciones (Last Holiday) …………… George Bird
1949 - Ocho sentencias de Muerte (Kind Hearts and Coronets ) …………… el duque/el banquero/el cura/el General/el Almirante/joven Ascoyne/joven Henry/Lady Agatha.
1948 - Oliver Twist ………………………. Fagin
1946 - Grandes Esperanzas (Greats Expectations) ………… Herbert Pocket.

Lawrence de Arabia

Doctor Zhivago

La alegre historia de Scrooge. (Scrooge)

El quinteto de la muerte

Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com

Haciendo historia

Para los ingleses fue el fotógrafo William Friese- Greene, para los estadounidenses Thomas Alva Edison y para los franceses los hermanos Lumière. Pero la verdad es que el cinematógrafo fue el fruto de una serie de esfuerzos que se remontan a la linterna mágica del Padre Athanasius Kircher (1602-1680) e incluso a las pinturas rupestres de la prehistoria.


     Lo que distingue al cine es el movimiento. Y fue descubrir que debían ser 24 fotos a una cadencia determinada (1 segundo) para crear la ilusión de movimiento debido a la persistencia retiniana, lo que permitió nacer al cine.

Cartel publicitario de El Cinematógrafo Lumière 

A esto lo hicieron los hermanos Lumière que, usando una película con una emulsión sensible a la luz (patentada por Edison) en una cámara creada por ellos, consiguieron filmar una serie de cortos que se presentaron al público el 28 de diciembre de 1895 en el “Salon Indien” del Grand Café de París.

     Estas peliculitas presentaban escenas callejeras y familiares, como “Salida de los obreros de la fábrica”, pero causaron una verdadera sensación, en especial la “Llegada del tren a la estación”, en donde muchos de los espectadores se asustaron al creer que la máquina los iba a atropellar (la imagen era de una locomotora dirigiéndose hacia la cámara, ya que ésta estaba en el andén, lo cual causaba el efecto de arrojarse sobre el espectador).

Llegada del tren a la estación

Todas las escenas habían sido rodadas sin cortes y sin mover la cámara a 16 fotogramas por segundo. Ante el suceso, los Lumière siguieron filmando. Su corto “El regador regado” es tomado como el origen del cine cómico, al mostrar un simple gag de un hombre lidiando con una manguera.

El regador regado

En 1893, en Estados Unidos, Edison construyó el primer estudio cinematográfico: una inmensa cámara oscura, pintada por dentro y por fuera de negro, con un techo corredizo que le permitía trabajar con luz del día. Patentó el kinetoscopio, precursor del proyector cinematográfico, pero en el que el espectador debía apoyar el ojo a una ranura que le permitía ver imágenes en movimiento.

Kinetoscopio

Cuando reconoce que el cine es un espectáculo masivo (gracias al suceso en Francia de los Lumière), patenta el Vitascope y comienza a competir, utilizando todo tipo de copias ilegales que llegaban desde Europa.

     El cine nacía en EE.UU. bajo el signo del comercio y ya dejaba vislumbrar la lucha por el control de la industria que estaba surgiendo. En los primeros años del S.XX las películas se proyectaban en locales que se conocieron como “Nickel Odeons”, ya que la entrada costaba un níquel (5 centavos). Estos locales eran explotados por hombres que llegarían a ser verdaderos magnates de la industria: William Fox (20th Century Fox), Marcus Loew (Metro Goldwyn Mayer), Adolph Zukor (Paramount)…

     Mientras, algunos pioneros empiezan a rodar películas de aventuras y persecuciones, dándole más dinamismo a las historias. Entre esos hombres estaba Edwin S. Porter que marcó un momento con su “Asalto y robo al tren” (The great train robbery - 1903).

Afiche promocional de Asalto y robo al tren.

Puede ser considerada como la primera obra importante, con argumento de ficción, del cine americano. La narración aparece fragmentada, muestra perseguidores y perseguidos, ya no se filma de un tirón, sin cortes. Es el comienzo del montaje que perfeccionará un verdadero ícono del cine: David W. Griffith.

     Georges Méliès fue uno de los espectadores de los hermanos Lumière. Mago de corazón y empresario se maravilló con este nuevo aparato, pero al querer comprar uno se encontró con una respuesta ya célebre: “El aparato no está a la venta pues lo llevaría a la ruina. Podrá ser explotado durante algún tiempo como curiosidad científica, pero esto no tiene ningún futuro comercial”, le dijeron los Lumière.

     Como todo empresario, Méliès no se dejará vencer con este comentario y consigue de un óptico inglés una cámara y cierto material virgen. Comienza a filmar escenas naturales pero un día rodando en la calle no nota que la película se atasca en la máquina por unos segundos para luego seguir corriendo.

     Al visionar el material, se encuentra con un colectivo que desaparece misteriosamente de la pantalla para ser reemplazado por un coche fúnebre. Del mismo modo, peatones desaparecían dejando el lugar a otros totalmente diferentes.

     Así, accidentalmente, Méliès descubre el primer truco del cine, que en las manos de un prestidigitador como él se convirtió en un recurso inagotable, descubriendo consecuentemente casi todos los trucos del cine.

     En 1896 rueda L'Escamotage d'une dame (La desaparición de una dama) en donde un mago (interpretado por él mismo) hace desparecer a una mujer para sustituírla por un esqueleto para luego hacer reaparecer a la dama.

La desaparición de una dama

Pero es con Viaje a la Luna (Le Voyage dans la Lune - 1902), 20.000 Leguas de viaje submarino (20.000 lieues sous les mers - 1907) y La conquista del Polo (Á la Conquète du Pole - 1910), entre otras, las obras que le han dado reconocimiento y lo consagran como el creador del espectáculo cinematográfico, ya que se pasó de la naturalidad y simplismo de los Lumière al uso de todos los artificios y la teatralidad que se emplean en los actos de prestidigitación.

Fotograma de Viaje a la Luna

Continúa en "El nacimiento de una industria (I)".


Lic. Diana Lombardo
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