Sueños de libertad

(The Shawshank Redemption)

“El miedo puede tenerte prisionero,

la esperanza puede liberarte”

Muchas obras de terror del escritor Stephen King han sido llevadas con éxito a la pantalla (“Misery”, “Carrie” y “El Resplandor”), pero las mejores adaptaciones son de sus relatos no terroríficos como “Cuenta conmigo” y esta versión de su novela corta “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, perteneciente a su libro “Las Cuatro Estaciones”.

Sueños de libertad cuenta la historia de Andy Dufresne que, acusado injustamente de un doble homicidio, es condenado a pasar el resto de su vida en la prisión de Shawshank. Allí, luego de pagar el “derecho de piso” de todo recién llegado, irá haciendo amigos, en especial se relacionará con Red, reo especialista en conseguir cosas afuera para comercializarlas dentro.

Con el tiempo y gracias a sus conocimientos (trabajaba en un banco), Andy ganará ciertos beneficios de parte del Alcalde de la prisión y algunos guardias, al ayudarlos con sus declaraciones impositivas.

     Con su inteligencia y un poster de Rita Hayworth, Andy pasará sus días detrás de un único objetivo: escaparse de Shawshank.

Uno de los momentos más bellos y poéticos del film es cuando, la voz en off de Red (que narra la película, siguiendo a Andy) comenta el efecto que causa sobre los presidiarios oír «Canzonetta sull'aria (Duettino)» de Las bodas de Figaro, de Mozart: "No tengo ni la más remota idea de qué diablos cantaban aquellas dos italianas, y lo cierto es que no quiero saberlo. Las cosas buenas no hace falta entenderlas. Supongo que cantaban sobre algo tan hermoso que no podía expresarse con palabras, y precisamente por eso, te hacía palpitar el corazón. Les aseguro que esas voces te elevaban más alto y más lejos de lo que nadie viviendo en un lugar tan gris pudiera soñar. Fue como si un hermoso pájaro hubiese entrado en nuestra monótona jaula y hubiese disuelto aquellos muros. Y por unos breves instantes hasta el último hombre de Shawshank se sintió libre".

El film cubre dos décadas y es su modo de tratar el paso del tiempo una de sus principales virtudes de la puesta en escena de Darabont: aunque hay sucesos que dan distintos giros al guión, nunca se los toma como episodios independientes sino como partes integradoras del relato.

     Con interpretaciones sobrias y conmovedoras de Morgan Freeman y Tim Robbins y un hermoso guión del director Frank Darabont y una planificación clásica, el film se mantiene fiel a la narración original con un único cambio importante. En la novela, Red era irlandés.

     A medida que transcurre el film tendremos espacios para la aflicción, el buen humor, la indignación, el dolor, el entusiasmo y la melancolía, todo llevado con un estilo particular de tensa calma y sin caer en los clichés de las películas carcelarias.

Sueños de libertad se apoya en la amistad de dos hombres diferentes para hablar de la esperanza, la culpa y la redención. Una historia con personajes memorables, absorbente, inteligente, que enfatiza el no perder las esperanzas, aún en las situaciones más terribles y que se presenta como un gran retrato humano.

Su director Frank Darabont hace su trabajo debut en este film, luego de haber trabajado como guionista en películas como La mosca II (The fly II, 1989), Pesadilla 3 (A Nightmare on Elm Street 3: Dream Warriors, 1987) y Frankenstein (Mary Shelley’s Frankenstein, 1994, de Kenneth Brannagh), además de algunos episodios de series de tv, como Cuentos de la Cripta y El joven Indiana Jones.

     Fue nominada a múltiples premios, incluyendo 7 premios Oscar, en los que se enfrentó a Forrest Gump y Pulp Fiction.

     En su momento no tuvo un gran recibimiento, ni de crítica ni de público, pero con el tiempo y sus ediciones en VHS, DVD y Blu-Ray, sus emisiones en Tv, además del infalible “boca a boca”, la acabaron convirtiendo en una película considerada como una de las mejores de la década del ’90.

     En la página www.imdb.com, especializada en material de cine y tv y que contiene una impresionante base de datos, sus usuarios registrados la consideran la mejor, incluso superando a “El Padrino” (con la que pelean día a día por el primer puesto), “Casablanca”, “Ciudadano Kane”, entre otras. (La posición en el ranking varía día a día ya que es un promedio de las votaciones que se realizan. Los votantes son gente común, no críticos especializados) (Lista completa del 9 de febrero de 2011 http://www.imdb.com/chart/top)

     Por otro lado, en 1998 el American Film Institute realizó un ranking – AFI’s 100 years… 100 movies (100 años…100 películas)- que no la tuvo en cuenta. Al revisar la lista en 2007, la incluyeron en el puesto 72, encima de Forrest Gump (76) y Pulp Fiction (94) las dos películas más premiadas y aclamadas de 1994.

     Una película hermosa, conmovedora y que atrapa sin altibajos, altamente recomendable. No dejes de verla.

FICHA TÉCNICA
Título: Sueños de Libertad (También conocida como “Sueños de Fuga” en Latinoamérica y “Cadena Perpetua” en España)
Título original:  The Shawshank Redemption
Año:  1994
Dirección:  Frank Darabont
Guión:  Frank Darabont, basado en la novela “Rita Hayworth y la redención de Shawshank”, de Stephen King
Fotografía:  Roger Deakins
Música:  Thomas Newman
Edición:  Richard Francis-Bruce

Intérpretes principales:  Tim Robbins ... Andy Dufresne, Morgan Freeman ... Ellis Boyd 'Red' Redding, Bob Gunton ... Alcalde Norton, William Sadler ... Heywood, Clancy Brown ... Capitán Hadley, Gil Bellows ... Tommy, Mark Rolston ... Bogs Diamond, James Whitmore ... Brooks Hatlen, David Proval ... Snooze, Joseph Ragno ... Ernie, Jude Ciccolella ... Guardia Mert.

Galardones:
Oscar 1994 (67ª entrega). Nominaciones: Mejor Película (ganó Forrest Gump); Mejor Actor: Morgan Freeman (ganó Tom Hanks, por Forrest Gump); Mejor Guión Adaptado: Frank Darabont (ganó Eric Roth, por Forrest Gump); Mejor Banda Sonora: Thomas Newman (ganó Hans Zimmer, por El Rey León); Mejor Fotografía: Roger Deakins (ganó John Toll, por Leyendas de Pasión); Mejor Montaje: Richard Francis-Bruce (ganó Arthur Schmidt, por Forrest Gump); Mejor Sonido: Robert J. Litt, Elliot Tyson, Michael Herbick, Willie Burton.

Globo de Oro
Nominado Mejor Actor-Drama: Morgan Freeman. Nominado Mejor Guión: Frank Darabont

Premio del Sindicato de Actores (SAG Awards)
Nominado Mejor Actor: Morgan Freeman. Nominado Mejor Actor: Tim Robbins



Lic. Diana Lombardo
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Forrest Gump

"Mi nombre es Forrest... Forrest Gump".

Forrest es un hombre con un bajo coeficiente intelectual que mientras espera el autobús, (para ir a visitar a su eterno amor, Jenny) comienza a contar -a sus ocasionales compañeros en la espera- sus increíbles aventuras que nos hará recorrer la historia reciente de EE.UU., desde los años ’50 a los ’80.

Así nos enteramos de que su madre hizo todo por corregir su andar con aparatos ortopédicos, (pero siempre incentivó a Forrest a elegir su camino) lo que finalmente lo beneficia, ya que un día escapando de unos matones, se dará cuenta que puede correr a una velocidad y a un ritmo increíbles.

"Corre Forrest, corre!"

Este talento lo llevará a conseguir una beca universitaria para ser jugador de fútbol americano y luego a participar de la guerra de Vietnam, donde estrecha una amistad con su superior algo cascarrabias (el Teniente Dan), a quien terminará robándole el corazón.

     De esta manera, y respetando las enseñanzas y mandamientos de su madre (“un estúpido es quien hace estupideces”, le dice a un joven Forrest) comienza sus aventuras: gana medallas, juega al ping pong, crea la “carita feliz”, inspira a muchos a correr (él mismo recorre todo el país), es la base de famosos stickers , es testigo de los momentos históricos más destacados (como la guerra de Vietnam, también está la apertura a China y el escándalo de Watergate) y se relaciona, sin pensarlo ni buscarlo, con figuras de la talla de John F. Kennedy, Lyndon Johnson y Richard Nixon.

Junto a John Lennon

Pero esto es intrascendente para él, porque lo único que le interesa es Jenny (su amiga de la infancia) quien había perdido contacto con él y luego de ciertos vaivenes había descarrilado su vida.

Antes

Después

Forrest Gump, es una emotiva historia, apoyada totalmente en la brillante interpretación de Tom Hanks, que nunca cae en lo burdo al tener que representar a este hombre de “pocas luces” pero de gran corazón.
Es su actuación medida lo que hace inolvidable a este personaje, ya que es tan efectivo en las escenas cómicas como en las dramáticas.

     Tiene además grandes actores que lo acompañan, como Gary Sinise (sublime en su teniente Dan) y Sally Field (como su amorosa madre), entre otros.

     Los efectos especiales fueron una de las grandes atracciones ya que le permiten al personaje codearse con grandes figuras políticas (mezclando material de archivo con los actores), y también convertir a un actor en un hombre sin piernas, en unas imágenes increíbles.

Teniente Dan

No hay que olvidar además la brillante banda de sonido que, con artistas como Bob Dylan, The Doors, Otis Redding, Creedence Clearwater Revival, Simon & Garfunkel, The Supremes, Aretha Franklin, The Beach Boys, Joan Baez, Willie Nelson, entre otros, arma el marco y clima perfecto para pintar las tres décadas del relato.

     Es uno de los sucesos más importantes de Hollywood de los años ’90, en sólo 18 días superó los 100 millones de dólares en recaudación sólo en su país.

     Traspasó su dimensión cinematográfica para convertirse casi en un fenómeno sociológico en EE.UU., porque aunque tiene cierto tono nacionalista, el film reflexiona e ironiza sobre el modo de vida americano, sobre su política, los militares, describiendo hechos fundamentales de la segunda mitad del S.XX.

"La vida es como una caja de chocolates... Nunca sabes qué te va a tocar".

FICHA TÉCNICA
Título:  Forrest Gump
Título original:  Forrest Gump
Año: 1994
Dirección:  Robert Zemeckis
Guión:  Eric Roth, basado en la novela homónima de Winston Groom
Fotografía:  Don Burgess
Música:  Alan Silvestri
Edición:  Arthur Schmidt
Intérpretes principales:  Tom Hanks (Forrest Gump), Robin Wright Penn (Jenny), Gary Sinise (Tte. Dan Taylor), Sally Field (Sra. Gump), Mykelti Williamson (Benjamin “Bubba” Blue).

Premios: obtuvo muchísimos premios y reconocimientos a nivel mundial, en distintos rubros. Detallo los Oscar’s sólo por ser los más populares.OSCAR a Película, Director, Actor principal, Edición, Efectos visuales, Guión adaptado. (Nominada, además para: Actor de reparto (Gary Sinise), Dirección de arte, Fotografía, Edición de sonido, Maquillaje, Música, Sonido)



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Los cazadores del arca perdida

    
(Raiders of the lost Ark) - 1981

John Williams

En 1977 el éxito de la banda sonora de “La guerra de las galaxias” marcó el regreso de las grandes partituras sinfónicas, después de haberle dado paso a los ritmos pop y a pequeñas orquestaciones. El responsable fue John Williams quien a partir de ese momento se asentaría como el compositor del cine moderno.

     En 1981 Steven Spielberg dirigió “Los cazadores del arca perdida” (Raiders of the lost ark) y recurrió a Williams para que le diera su visión a la obra.


     Apoyado en el estilo de los viejos seriales de aventuras, Williams utilizó una poderosa marcha para identificar al personaje de Indiana Jones y completó el resto de la partitura con espectaculares temas que acompañaban soberbiamente a las imágenes, tanto que parece que los personajes se mueven al ritmo de la música (como en una coreografía), cuando ocurre todo lo contrario. Dos buenos ejemplos son la escena del mercadillo árabe y la persecución del desierto que demuestran su excepcional calidad de compositor y de su capacidad de armonizar la música con el film.


     Se distinguen tres temas principales, que se repetirán por toda la banda de sonido: la famosa marcha (representando a Indiana Jones), el tema de Marion (que también puede tomarse como el tema de amor del film) y el representativo del Arca (más oscuro y con elementos religiosos).


     La marcha de título es la que atrae la atención (se ha convertido en la más obvia representación de un film de aventuras), pero son los subtemas los que apoyan la banda, iguales de efectivos e iguales de importantes en el suceso. La estructura de la banda de sonido no presenta “capas” complejas, lo que muchos consideran que se debe a una forma de reflejar al personaje, simple y directo, además claro de creativo y rebelde. Un beneficio para el oyente que recibe construcciones claras y simples sin excesos en las orquestaciones.


     Williams marca el pulso de la película, desde lo melodramático para representar al Arca hasta los ritmos fuertes en la pelea de Indiana Jones con el convoy de camiones en el desierto. Como antes dijimos, el espíritu de la banda de sonido está en perfecta sintonía con el tono aventurero del film, haciendo corresponder la exuberancia de cada escena con un tema preciso y emotivo.


     Justamente esto último se hace notar en el tema de Marion, apoyando la química entre ella e Indy. Si bien su estructura y orquestación se asemeja al tema de amor de Superman, cada aparición en el film es encantadora. Aparece al comienzo de “Journey to Nepal”, al mencionar su nombre por primera vez, y se hace más notable en “To Cairo”, para aparecer en su forma más ruda con bronces remarcando el final de “The Basket Game”.


     Respecto al tema del Arca, tiene un clima opresivo, melodramático, raro en las creaciones de Williams. Aparece desde “Ark Trek”, casi como una marcha fúnebre, hasta como una rendición coral en “The Miracle of the Ark”.


     Pueden reconocerse otros temas, aunque no tan bien desarrollados, pero no sería un problema del compositor, sino que reflejan situaciones muy breves en pantallas, lo que hace que no puedan definirse con peso propio (por ejemplo, el tema que representa a los nazis).


     También es notable que cuando se estrenó el film, no existía el tema central como obertura, es decir que si bien estaba presente casi todo el tiempo, no mostraba su verdadera identidad hasta el final de la primera persecución. Y sólo en los títulos finales se la oye con su orquestación completa.


     Desde los dinámicos golpes de “The Desert Chase”, la atmósfera de “The Idol’s Temple” hasta el memorable tema en “The Raiders March”, una vez que se oye esta banda no se olvidará y hasta puede que la tararee o silbe alguna vez. Definitivamente es una de las mejores, no sólo de Williams sino de todo el espectro cinematográfico.

  
Título: Raiders of the lost Ark
Año: 1981
Sello discográfico: Polydor
Compositor, productor y conductor: John Williams
Intérprete: The London Symphony Orchestra
Premios: Ganador de un Grammy, nominado para el Oscar y el Bafta.



Temas (1985 Polydor Album)
• 1. Raiders of the Lost Ark (6:05)
• 2. Escape from Peru (2:26)
• 3. The Map Room: Dawn (3:58)
• 4. The Basket Game (4:50)
• 5. The Well of the Souls (5:00) 
• 6. Desert Chase (7:44)
• 7. Marion's Theme (3:13)
• 8. The Miracle of the Ark (6:14)
• 9. The Raiders March (2:29)


Temas (reedición 1995 DCC/Silva CDs)
• 1. The Raiders March (2:50)
• 2. Main Title: South America, 1936* (4:10)
• 3. In the Idol's Temple** (5:26)
• 4. Flight from Peru (2:20)
• 5. Journey to Nepal* (2:11)
• 6. The Medallion* (2:55)
• 7. To Cairo (1:29)
• 8. The Basket Game** (5:04)
• 9. The Map Room: Dawn (3:52)
• 10. Reunion and the Dig Begins* (4:10)
• 11. The Well of the Souls** (5:28)
• 12. Airplane Fight* (4:37)
• 13. Desert Chase** (8:15)
• 14. Marion's Theme (2:08)
• 15. The German Sub*/To the Nazi Hideout* (4:32)
• 16. Ark Trek* (1:33)
• 17. The Miracle of the Ark (6:05)
• 18. The Warehouse* (0:56)
• 19. End Credits (5:20)


(*) previamente no editado
(**) contiene material no editado previo 


Para oír:
Raiders of the Lost Ark
http://www.youtube.com/watch?v=2r45qgr1ZAk


Marion's Theme
http://www.youtube.com/watch?v=2yzpeetBjYw


The Basket Game
http://www.youtube.com/watch?v=hD7EmUNb7qs




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El nacimiento de una industria (1)

Pathé es el tercer hombre de la trinidad creadora del cine.


     Si los Lumière inventan la técnica y Méliès el espectáculo, Pathé inventa el negocio. Al sustituir la venta de películas por metro (como hacía Méliès) por su alquiler, pone las bases de una compleja organización, con tres ramas diferentes: la producción, la distribución y la exhibición, pero siempre con un solo objetivo: el público. Lo antes considerado “moda pasajera” origina verdaderas empresas mercantiles.

     En 1869 Pathé funda, con apenas 700 francos, su compañía fotográfica y fonográfica. Sus productos adquieren un alto nivel de calidad gracias a la contratación del director Ferdinand de Zecca. Su éxito es tal que consigue vender en Estados Unidos más del doble que los productores norteamericanos juntos. Más adelante, cuando logra elaborar él mismo la película virgen (que hasta entonces estaba en manos de Eastman-Kodak), su poderío ya es absoluto y Vincennes (donde estaba instalado) se convierte en la capital mundial del cine.

     Pathé también se dedica a los noticiarios con imágenes reales y a las temáticas más realistas en sus películas. De Zecca es uno de los maestros del naturalismo cinematográfico. Realiza obras como Historia de un crimen (1901), La Pasión (1902) y El asesinato del duque de Guisa (1904), siendo éste el título más representativo de un nuevo género: los film d’art (películas con mayor calidad artística). La Pasión tenía una técnica bastante ingenua pero fue muy popular, tanto que se proyectó durante casi 20 años en todo el mundo.

La Pasión

Asesinato del Duque de Guisa

En las películas cómicas de Pathé debutará uno de los primeros genios en esta rama: Max Linder, fuente de inspiración para Charlie Chaplin para su inolvidable Charlot (Carlitos).

     Pronto le surge a Pathé un rival dentro de su propio país: León Gaumont. Éste contrata al director Louis Feuillade, que potencia el género de terror. Pero en esta productora también se hacen otros avances. Por ejemplo, se reemplaza la fotografía por el dibujo, logrando las primeras cintas de dibujos animados. También de esa productora surge la idea de adaptar las novelas por entregas, originando los seriales (antecedente de las series de televisión), con una estructura muy concreta: solían constar de doce a quince capítulos, cada uno de ellos de unos quince o veinte minutos de duración; cada uno de esos episodios finalizaba con el héroe supeditado a cualquier peligro en apariencia insalvable, del que, indefectiblemente, se salvaba -a veces de un modo tramposo para con el espectador- en el capítulo próximo, la semana siguiente. Quizás este sistema fue el que provocó el verdadero hábito de ir al cine.

     En los demás países la producción se desarrolló más lentamente que en Francia.

     En 1900, William Paul, pionero del cine inglés realiza una película en donde el espectador tenía la impresión de manejar un automóvil a toda velocidad, evitando diversos obstáculos. Fue la primera vez que se utilizó la cámara subjetiva, es decir que la cámara reemplaza la visión de una persona, en este caso el espectador. También destaca en esta época la llamada “Escuela de Brighton”. Más que una escuela, se le denominó así a un grupo de cineastas ingleses que sentaron bases para el lenguaje cinematográfico. Sus tres representantes principales fueron tres fotógrafos – Smith, Williamson y Collins - que iniciaron el tipo de películas de aventuras, con persecuciones (Ataque a una diligencia en el siglo pasado), y las bélicas (Ataque a una misión en China). Alfred Collins sale de los conceptos teatrales y comienza a utilizar el travelling, la panorámica y el contracampo.

     En Italia se volcaron a las producciones históricas con grandes despliegues de escenografía, iluminación y seguimiento de actores (travelling). Después de la Primera Guerra Mundial, el cine italiano decae con producciones sin mucho “arte”, grandes dramones en escenarios extravagantes con actrices publicitadas en demasía y sin mayor talento.

     El cine danés surge en 1906. Se vuelcan a comedias y dramas mundanos que generalmente terminaban en tragedias. Lógicamente este tipo de historias podían llevarse a cabo gracias a que contaban con muy buenos actores.

     Si bien Carl T. Dreyer filmó en el extranjero gran parte de su obra, es el mejor realizador danés. Su obra más célebre es “La pasión de Juana de Arco” (1927) con una fotografía original y encuadres muy bellos, además de una calidad interpretativa rigurosa.

En Suecia también los directores se apoyaban en novelas para fotografiarlas magistralmente usando paisajes como un personaje más y casi de la misma importancia.

     A partir del año 20 el cine nórdico empieza a declinar porque sus compradores europeos (que se proveyeron de ellos durante la guerra) comenzaron a trabajar nuevamente.

     Además, los cineastas escandinavos comenzaron un éxodo hacia Hollywood, lo que provocaría un letargo hasta 1940 cuando surge un realizador que afectaría al cine universal: Ingmar Bergman.


Continúa en "El nacimiento de una industria (II)".



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Pete Postlethwaite

Pete Postlethwaite (1946-2011)      

Nacido el 16 de febrero de 1946 en la ciudad industrial de Warrington en Cheshire, Inglaterra, en el seno de una familia católica, Peter William Postlethwaite fue el menor de cuatro hijos.

     Siendo joven pensó en convertirse en sacerdote, pero a los 17 comenzó a trabajar en sus primeras representaciones en el teatro y pronto aquella vocación pronto fue desplazada por una nueva: la actuación. Esto no fue muy bien recibido por su familia, quienes debido a sus orígenes humildes y de clase obrera preferían que pudiera desarrollarse en un trabajo más seguro.

     Después de estudiar como profesor de teatro, decide seguir sus instintos y comienza a trabajar en Londres y en teatros provinciales, principalmente representando los clásicos. Es en esta época en donde conoce y comienza a salir con Julie Walters (actriz, Billy Elliot, saga Harry Potter, Mamma Mía) quien en sus memorias recuerda que se sintió atraída por sus “extraordinarios, locos, impíos ojos al lado de una gran, estropeada nariz y altas mejillas”.

     También trabajó en el Bristol Old Vic, en el Royal Exchange en Manchester y en la compañía real de Shakespeare (the Royal Shakespeare Company) donde se destacó representando diversos personajes, aunque nunca tuvo papeles principales. No fue hasta 1998 donde pudo representar a Próspero en La tempestad que pudo mostrar su potencia para los papeles principales.

     A partir de los años ’80, Pete Postlethwaite se acerca a las películas, participando de Distant Voices, Still Livesen 1988 como un abusador de su esposa. También comenzará a realizar películas para Tv. Si bien no se lo recuerda particularmente por alguna, sí ha quedado identificado con la serie de films de la saga de “Sharpe”, protagonizada por Sean Bean con dos películas en 1994.

     Pero es en 1993 donde su talento finalmente es reconocido a nivel mundial, cuando conmovió a todos con el personaje de Giusseppe Conlon, erróneamente encarcelado, padre del protagonista (Daniel Day Lewis, Pandillas de Nueva York, Petróleo sagriento), en En el nombre del padre (In the name of the father) dirigida por Jim Sheridan. La película se hizo acreedora de 7 nominaciones a los Oscar, una para él como actor de reparto, perdiéndolo ante Tommy Lee Jones por El fugitivo.

Name father (En el nombre del padre)

A partir de allí actuó en muchos films reconocidos y diferentes como Alien 3, Amistad, Tocando el viento, Corazón de dragón, El jardinero fiel, Los sospechosos de siempre, Parque Jurásico: El mundo perdido… Sus papeles recaerán especialmente en hombres orgullosos, difíciles y con fallas, pero cada uno mantendrá su rasgo distintivo. Su carrera siguió alternando trabajos en el cine y en la tv británica, tanto en series como en películas especiales para televisión, prácticamente ininterrumpida.

Alien 3

Corazón de dragón

Tocando el viento

Justamente a raíz de El mundo perdido, su director Steven Spielberg (que también trabajó con él en Amistad) dijo que él era el mejor actor del mundo, a lo que él explicó graciosamente: “Estoy seguro que lo que Spielberg dijo fue: ‘Lo que pasa con Pete es que él piensa que es el mejor actor en el mundo’"

Jurassic Park (Parque Jurásico): El mundo perdido

En 2004 Pete Postlethwaite recibió la Orden del Imperio Británico y en 2006 fue nombrado Doctor honoris causa de la Universidad de Liverpool.

     Su compromiso político con el medioambiente lo ha hecho partícipe del documental La era de la estupidez (2009) actuando como un hombre que vive solo en un mundo desvastado en 2055.

La era de la estupidez

Entre sus últimas películas se cuentan Salomon Kane, cazador de demonios (2009), El origen (2010), Atracción peligrosa (2010) entre otras, en donde se lo nota más flaco que de costumbre, reflejando su enfermedad.

     Casado y con dos hijos, fumador desde que tenía 10 años, Postlethwaite murió el 2 de enero de 2011 a los 64 años a causa de la recurrencia de un cáncer con el que había batallado dos décadas atrás.

     Con su aspecto decididamente fuera de los estándares del cine actual -mejillas prominentes y huesudas y ojos saltones y penetrantes- era capaz de transmitir inconfundiblemente desde orgullo hasta resignación, pasando por diversos grados de sufrimiento y calidez.

     Su aspecto melancólico le permitió llevar a cabo personajes muy disímiles mayormente amenzadores pero con una cuota de integridad, vulnerabilidad y humanidad. Muchas veces representó a típicos trabajadores obreros. También aportó a cada rol de cierta escrupulosa atención al detalle e inteligencia instintiva. Siempre fue magnético en la pantalla.

     Se lo va a extrañar.


Filmografía seleccionada:
2011 - Killing Bono …………………………….Karl
2010 - Atracción peligrosa (The town) ………………….. Fergus 'Fergie' Colm
2010 - El origen (Inception)………………………….Maurice Fischer
2010 - Furia de titanes (Clash of titans) …………………. Spyros
2009 - Cazador de demonios: Solomon Kane (Solomon Kane)……… William Crowthorn
2007 - Closing the Ring ……………………………….Quinlan
2007 - Ghost Son ………………………………….Doc
2006 - La profecía (The omen)…………………………..Father Brennan
2005 - Aeon Flux ……………………………Keeper
2005 - El jardinero fiel (The constant gardener)…………. Dr. Lorbeer
2005 - Agua turbia (Dark water) ………………………. Veeck
2005 - Red Mercury ……………………………………Gold Commander
2004 - Strange Bedfellows …………………………….Russell McKenzie
2004 - The Limit ………………………………………. Gale
2002 - Between Strangers ……………………………John
2002 - Triggermen ………………………………………..Ben Cutler
2001 - Atando cabos (The shipping news) ……………….. Tert Card
2001 - Cowboy Up …………………………………….Reid Braxton
2000 - Rat ……………………………………Hubert
2000 - When the Sky Falls …………………………….. Martin Shaughnessy
1999 - Granja de animals (Animal Farm) (para TV) …….. Benjamin/Granjero Jones (voz)
1998 - Entre gigantes (Among giants)……………………. Raymond 'Ray'
1997 - Amistad ………………………………………Holabird
1997 – Parque Jurásico 2: El mundo perdido (The Lost World: Jurassic Park)……Roland Tembo
1997 - El beso de la serpiente (The Serpent's Kiss) ………………… Thomas Smithers
1996 - Tocando el viento (Brassed off) …………………………….. Danny
1996 - Romeo + Julieta (Romeo + Juliet)……………………………. Padre Laurence
1996 - Corazón de dragon (Dragonheart) …………………………... Gilbert of Glockenspur
1996 - Jim y el durazno gigante (James and the giant peach) …………. Viejo
1996 - Cuando llega el sábado (When Saturday comes) …………… .. Ken Jackson
1995 - Los sospechosos de siempre (Ussual suspects)……………….. Kobayashi
1994 - El acompañante (Suite 16) …………………………………….Glover
1994 - Sharpe's Enemy (TV movie) ………………………………..Hakeswill
1994 - Sharpe's Company (TV movie) …………………………Hakeswill
1993 - En el nombre del padre (In the name of the father)…………… Giuseppe Conlon
1992 - El último de los mohicanos (The last of the mohicans) ……….. Capt. Beams
1992 - Nosotros mismos (Waterland) ……………………………Henry Crick
1992 - Alien 3 …………………………………………….David
1992 - Fracción de Segundo (Split Second) …………………….. Paulsen
1990 - Hamlet ……………………………………….Actor (Rey)
1990 - Treasure Island (para TV) …………………………………George Merry
1988 - Distant Voices, Still Lives ………………………………… Padre
1988 - Complot contra la libertad (To kill a priest) ……………….. Josef
1988 - Tumbledown (para Tv) ……………………… Major (Centro de Rehabilitación)
1988 - Number 27 ………………………………………….. Becket
1985 - Cyrano de Bergerac (para TV ) ……………………… Ragueneau
1977 - Los duelistas (The Duellists) ………………….. Man shaving Gen. Treillard

Aeon Flux

La profecía

Furia de titanes

Jim y el durazno gigante

Romeo + Julieta

Agua turbia

Atracción peligrosa

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Hablemos de Cine

Presentación

Cuando desde la Redacción Faro me pidieron que hablara sobre cine me preocupé. ¿Por dónde empiezo? ¿Qué me parece más importante para contar sobre la producción cinematográfica?

     La verdad es que no puedo decidirme. Me parece igual de interesante conocer los orígenes y los primeros años del cine, como reconocer a esos actores que han realizado tanto trabajos que la gente conoce su cara pero no tiene idea de quién es. Y por gusto personal, también me interesan las bandas de sonido, así como comentar películas que me han parecido interesantes, premiadas o no, pero rescatables desde la simple subjetividad del momento.

     Como dijo Jean Renoir: “El cine es un estado de ánimo”, es decir, la misma película que has odiado hace unos años, puede enamorarte en una segunda visión un par de años después, porque tienes una historia personal que ha cambiado, así como nuevos conocimientos que te permiten reinterpretar el film, así como te ocurre que con amigos que generalmente compartes los gustos, no se puedan poner de acuerdo sobre esa película en particular, si es tan mala como tú dices o tan brillante como él plantea y viceversa.

     Sí me comprometo a escribir sobre cine argentino, para dejar de oír esa despectiva expresión –dicha sin ningún gramo de vergüenza- de “yo cine argentino no veo”, como si nuestra forma de expresarnos fuera un bloque uniforme en donde se puede englobar a Olmedo y Porcel con “El secreto de sus ojos” (2009, Juan José Campanella) y es equiparable “El bonaerense” (2002, Pablo Trapero) con “La ciénaga” (2001, Lucrecia Martel) o incluso “El faro” (1998, Eduardo Mignona) con “Papá se volvió loco”(2005, Rodolfo Ledo).  Y eso usando como ejemplos a exponentes del cine reciente, que además ha sido multipremiado en el exterior. Mira si me pongo a comparar “La patota” (1961, Daniel Tinayre) con “Brigada explosiva” (1986, Enrique Dawi).

     Es tan ridícula esa generalización que yo debería responder: ¿Por qué sigues viendo cine norteamericano? ¿Acaso nunca has visto una mala película yanqui? Te aseguro que yo sí. Toneladas de ellas. Pero a nadie se le ocurriría decir “yo cine americano no veo”, porque es un despropósito, un absurdo.

     Trataré entonces de acercarte algunas películas argentinas para que te animes a ver el cine que nos refleja, con pocos recursos económicos, pero con grandes historias y mucho corazón, porque el cine argentino se hace como muchas cosas en nuestro país: dependiendo de las ganas de sus participantes para sacar adelante un producto que cuente algo y que no sea sólo volar autos en explosiones.

     En definitiva, trataré de explicar por qué mi obsesión con el cine, aunque las pasiones, por ser tal, son inentendibles para los foráneos. Quizás compartiendo lo que me maravilla de este arte pueda incorporar más gente que mire el cine de una manera más crítica, pero a la vez que valore el esfuerzo del equipo de personas que hace posible que todas las semanas tú puedas reírte, llorar, emocionarte o maravillarte al entrar a un mundo totalmente diferente al tuyo, o uno tan cercano que te erice la piel.

     Si se cree que el cine es sólo una diversión se lo está minimizando. El cine se presenta como un fenómeno que influye en el individuo y en la sociedad, y es también, muchas veces analizable como obra de arte.

     Gracias por tu visita.

Diana M. Lombardo

Licenciada en Cine y Televisión,

Morteros, Córdoba R.A.

E-mail de contacto:  dlombardo74@gmail.com