miércoles, 18 de julio de 2012

Natalie Portman

Natalie Portman (9 de junio de 1981)

Reconocida por interpretar personajes listos y más maduros que los de su edad y considerada por algunos como “la nueva Audrey Hepburn”, Natalie Portman es una de las actrices jóvenes con más impronta en la pantalla. Se enorgullece de ser considerada como modelo para las jóvenes y toma papeles que sean positivos para seguir, por ejemplo dijo que nunca estaría en una película de terror o ninguna “tipo Jennifer Love Hewitt”.

     Natalie Portman nació el 9 de junio de 1981 en Jerusalén, Israel, bajo el nombre de Natalie Hershlag, hija única de un ginecólogo especialista en fertilidad y un ama de casa, y se hizo mundialmente conocida en 1994 luego de participar en el film de acción “El perfecto asesino” (Leon) también conocida como “León, el profesional”.


     En 1984 la familia se mudó a Estados Unidos. Si bien no tuvo su Bar Mitzvah (sus padres son más seculares que judíos religiosos) fue a una escuela Judío Conservadora (en donde estudió en inglés y hebreo) para preservar su amor por Israel.


     Desde joven supo lo que quería. Durante las vacaciones, Natalie participaba de campamentos de actuación. A los diez años audicionó para el musical “Ruthless”, un show off-Broadway (independiente) en el que trabajó con Britney Spears en papeles secundarios. En 1994, fue descubierta en una pizzería y originalmente no pasó el casting para “El perfecto asesino” por ser muy joven. Luego de conseguir el papel, cambió su apellido por el de su madre para mantener cierta privacidad y proteger a su familia.


El perfecto asesino
"Tuve una mala experiencia cuando salió ‘El perfecto asesino’. Estaba muy orgullosa de la película, pero era extraño para mí ser vista como un objeto sexual a los 12 años”.


En los ’90 hizo una seguidilla de papeles de “hija”, que fueron creciendo en importancia. Participó en “Fuego contra fuego” (Heat, Michael Mann), “Todos dicen te quiero” (Everybody says I love you, Woody Allen) (según ella es su peor actuación debido a su incapacidad de improvisar), “Marcianos al ataque!” (Mars attacks!, Tim Burton) y “Beautiful Girls” (Ted Demme). Si bien fue la primera opción para interpretar a Julieta en “Romeo + Julieta” de Baz Luhrman (hasta se hicieron pruebas de cámara con ella y Di Caprio), los productores pensaron que era muy joven y que la diferencia de edad con Di Caprio se vería “rara” (en  1996 ella tenía 15 y Di Caprio 22).

Todos te dicen te quiero

Beautiful Girl
En 1997 rechazó el papel principal de “Lolita” de Adrian Lyne debido a su incomodidad respecto a la exposición al sexo de jóvenes actores en películas. Este reparo queda claro en sus propias palabras: “Es horrible ser un objeto sexual a cualquier edad, pero al menos como adulto podés tomar la decisión de si querés degradarte”.

     En el mismo año  rechazó un papel en “El señor de los caballos” (1998) para participar de la adaptación para teatro de “El diario de Anna Frank”, mientras aparecía en la primera de las precuelas de Star Wars. Antes de ser contratada para Star Wars nunca había visto las originales Star Wars y no podía diferenciar entre Star Trek y Star Wars. Esta saga la hizo conocida para la mayor parte de la audiencia, pero  no le significó un gran esfuerzo actoral. El mayor desafío consistió en grabar con fondo azul (que luego recibe los escenarios generados por computadora) o hablar a una pelotita que marcaba donde estaban los ojos de algún personaje, también generado con efectos especiales.


Y ante su duda de participar “Cambio de vida” (Anywhere but here) por tener una escena de sexo, su director, Wayne Wang y su compañera Susan Sarandon (alegando esta última no estar interesada en el proyecto si Natalie no participaba) consiguieron hacer reescribir el guión para que se integrara al film. La película se estrenó en 1999 y recibió una nominación a mejor actriz de reparto en los Golden Globe.

La fuerza del amor
En 1999 faltó a la premiere de “Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma” (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace) para estudiar para sus exámenes finales del colegio secundario. En el 2000 participa de “La fuerza del amor” (Where the heart is) en el papel de una madre adolescente. Esta película contiene su primera escena de amor en pantalla. Luego de esta película, Natalie comienza sus estudios en Harvard para conseguir su Licenciatura en Psicología.

     Siempre priorizó la educación a su carrera cinematográfica, ya que dudaba si actuar seguiría siendo su pasión al crecer o habría algo que la entusiasmara más.

     En los siguientes años, sólo participó de las precuelas de Star Wars y se dedicó por completo a sus estudios. En el verano del 2000 filmó el Episodio II, en el verano del 2001 participó de la obra de teatro “The Seagull” junto a Meryl Streep, Kevin Kline y Philip Seymour Hoffman. Comentó que durante este tiempo descubrió que actuar era mucho más sobre el proceso que sobre el producto. Más aún cuando pudo espiar un anotador que Philip Seymour Hoffman tenía con preguntas y respuestas sobre los sentimientos de su personaje. Apareció brevemente en “Zoolander” y en “Regreso a Cold Mountain”.

     En el 2003 se recibió en Harvard en la carrera de Psicología. Y participó de investigaciones científicas sobre la memoria.


     Ama viajar. A fines del 2003 y principios del 2004 viajó sola a Marruecos y Guatemala. En 2004 apareció en “Tiempo de volver” (Garden State), ganadora a mejor película en los “Independent Spirit Awards”.

Tiempo de volver
En la primavera de ese año completa un semestre en la Universidad de Jerusalem.

     También ese año realiza “Closer, llevados por el deseo” (Closer), en la que interpreta a una bailarina de striptease que se ve envuelta en un enredo amoroso de cuatro puntas. Este papel, más osado que lo que venía haciendo, le representa un premio Golden Globe como actriz de reparto y una nominación al Oscar en la misma categoría.


     Definió el film y su participación en él de la siguiente manera: “No es explotador, pero es sobre sexo. Es definitivamente diferente para mí, pero me siento lo suficiente grande para manejarlo. Entiendo mejor cómo lidiar con la publicidad y eso no me afecta. No tengo que ir a la escuela al día siguiente y tener gente que diga 'Oh, te vi en tal película, estabas bastante indecente".

Closer
“Realmente no soy mojigata sobre hacer desnudos. Creo que es bello en los films y el sexo es una parte muy importante de la vida y la desnudez es obviamente nuestro estado natural. No es la cuestión. El asunto es que siento que es algo externo a lo que estás haciendo. Y eso también se puede usar luego para otros propósitos”.


En el 2005 llegan Star Wars III, Free Zone y “Los fantasmas de Goya”, film de Milos Forman en el que es contratada sin que el director haya visto ninguno de sus films anteriores pero por lucir “como una pintura de Goya”. De todas maneras, su participación en este film no fue del todo cómoda, ya que tuvo que realizar una escena donde es torturada y a la que definió sentir “inapropiada para ella".

     Como dato curioso está lo que tuvo que vivir al llegar a Londres para unas retomas de la tercera precuela de Star Wars. Guiándose por su tamaño (mide 1,60 m), un guardia de seguridad le preguntó si viajaba con un guardián (cosa que es obligatoria al ser menor de edad).

“Empecé Star Wars cuando tenía 14 años y tendré 24 cuando la última se estrene, así que estas películas son 10 años de mi vida y ahora estoy tratando de hacer algo diferente”.


A comienzos del 2006 se estrena la adaptación del comic “V por Vendetta” en donde interpreta a una joven salvada de la policía secreta por el protagonista, V. Trabajó con un coach vocal para aprender el acento inglés y se popularizó por su cabeza rapada. Sobre el aspecto político del film, Portman comentó que por ser de Israel quiso hacer este film, ya que las conversaciones sobre terrorismo y violencia fueron parte de su vida desde muy pequeña.

V por Vendetta
Aprendió a tocar el piano para participar ese mismo año del film “El mundo mágico de Magorium” (Mr. Magorium Wonder Emporium), acompañando a Dustin Hoffman. Dirigida por Wong Kar-Wai  interpretó a una apostadora en “El sabor de la noche” (My blueberry nights) en 2007 y al año siguiente apareció en “La otra Bolena” (The other Boylen girl), drama histórico acompañada por Scarlett Johanson y Eric Bana. Un mes antes de comenzar a rodar comenzó a tomar clases diarias para refrescar su acento británico nuevamente.

La otra Bolena

El mundo mágico de Magorium
Antes de aparecer en 2009 junto a Jake Gyllenhaal y Tobey Maguire en “Hermanos” (remake del film homónimo danés de 2004, dirigido por Susanne Bier), se la pudo ver en un vídeo clip de Paul Mac Cartney, un cortometraje de Wes Anderson (“Hotel Chevallier”, prólogo de “Viaje a Darjeeling”) y como jurado en el Festival de Cannes de 2008, además de hacer su debut como directora con el cortometraje “Eve” (donde una joven acompaña a su abuela a una cita romántica). Este corto es el único de su productora “Handsomecharlie Films” en el que no actúa.


     Una de las mejores interpretaciones de Portman se pudo ver en “El cisne negro” de Darren Aronofsky (2010). Para prepararse pagó por sus propias clases de ballet entrenando entre 5 a 8 horas diarias y bajó 9 kilos.


“Soy una persona muy baja y se suponía que debí verme más estilizada, y se luce más alta cuando no tienes la mayor parte de ti, lo cual es enfermo. Toda la situación. Estoy consciente de que es enfermo”.
El cisne negro
Natalie Portman aseguró que uno de los mayores desafíos en este film fue su voz. El director Mike Nichols, que trabajó con ella en “Closer” la criticó constantemente sobre lo infantil que normalmente suena su voz y la alentó a buscar un entrenador vocal para que sonara más profunda y adulta. El rol de Nina requería que volviera a su voz añiñada lo que la hizo sentir que regresaba a un punto que había trabajado duro por dejar atrás.

     Por este film ganó el Golden Globe y el Oscar a mejor actriz. Gran alboroto se armó cuando una de las dobles de cuerpo de Portman en el film contó que la actriz sólo había bailado un 5% del total, mientras que el director y Natalie Portman seguían afirmando que ella había interpretado cerca del 80% de los bailes.

“Sí tuve una doble para las piruetas más complicadas,  pero todo lo que pude hacer yo ahorraba miles de dólares en efectos especiales”.





La exigencia física y mental de este personaje la llevó a un grado de agotamiento tal que tuvo que rechazar el papel de Lisbeth Salander en “La chica del dragón tatuado” (2011).



“Hubo noches en las que realmente pensé que iba a morir. Fue la primera vez que entendí cómo te podés envolver tanto en un personaje que puede derribarte”.


Black Swan (El cisne negro)
En enero de 2011 se convirtió en la nueva cara de Dior para la campaña “Miss Dior Cherie”. El 27 de  febrero aparece un vídeo del diseñador top de la casa John Galliano haciendo comentarios anti semitas. Portman realiza una declaración condenando las acciones de Galliano, especificando que estaba “shockeada y disgustada” y que como judía orgullosa se negaba a asociarse con él desde este momento. Ya que la campaña estaba pautada para salir dos días después de que se conoció el vídeo, Dior tuvo que tomar medidas legales para llegar a un arreglo y mantener a Portman como vocera. Galliano fue despedido el 1º de marzo y la campaña siguió su camino original.

Miss Dior Cherie
Cambiando de género, convencida de que no se ven suficientes comedias buenas, el próximo film sería una comedia romántica junto a Ashton Kutcher, “Amigos con derechos” (No strings attached), del que fue también productora ejecutiva. “Siempre he querido hacer comedias románticas. Pero las chicas siempre están a la moda y es siempre sobre su ropa. Siempre quieren casarse al final. Siempre hay una escena de cambio de imagen. Ese tipo de cosas me ofende”. Su personaje en este film es una chica independiente que no viste precisamente a la moda y el casamiento no es una prioridad.

No strings attached (Amigos con derechos)
Luego otra comedia, “¿Su alteza?” (Your highness), junto a Danny McBride y James Franco y la adaptación de Kenneth Branagh de “Thor”.

     En febrero del 2012 se confirmó su participación en dos proyectos de Terrence Malick pautados para su estreno en 2014.

“Diría que mis amigos y mi familia son mi pasión y paso el mayor tiempo con ellos. Amo bailar, no necesariamente ballet y amo ver bailar también. Esas definitivamente son mis pasiones".


Natalie Portman es vegetariana desde niña y se “convirtió” en vegana desde 2009, es decir que no come productos animales ni usa pieles, plumas o cuero. Sólo dejó este estilo de vida durante su embarazo, en donde volvió a ser vegetariana, para darle los suplementos necesarios a su hijo Aleph y debido también a su deseo incontenible de huevos y queso. El padre del niño es el bailarín Benjamin Millepied, que trabajó como coreógrafo para “El cisne negro”. Luego de comprometerse en 2010, se casó en 2012.

Alfombra roja de los Oscars (febrero 2011)
"Amo estar en casa. Mi trabajo me lleva estar afuera mucho tiempo y  se siente como estar en vacaciones cuando estás en tu casa y podés estar en la cama todo el día. De todas formas añoro viajar y he tenido increíbles viajes a muchas partes del mundo”.

También desde joven a defendido las causas en defensa del medio ambiente así como a apoyado las actividades anti-pobreza, por lo que ha viajado a Uganda, Guatemala y Ecuador como embajadora de Finca, una organización que promueve micro emprendimientos para mujeres que comienzan sus propios negocios. Ocasionalmente asila perros callejeros.

Premios:
Ganó Oscar, Bafta y Golden Globe  por El cisne negro - Nominada al Oscar y al Bafta, ganadora del Golden Globe por Closer.
  • Es una de las 9 actrices que ha ganado el Oscar, el Bafta el Critic’s Choice Award, el Golden Globe y  el SAG por el mismo trabajo. Ella lo hizo por “El cisne negro”, las otras fueron: Julia Roberts, por “Erin Brocovich”(2000), Reneé Zellwegger por Regreso a Cold Mountain (2003), Reese Whiterspoon por “Johnny and June” (2005), Helen Mirren por “La reina” (2006), Jennifer Hudson por Dreamgirls (2006), Kate Winslet por “El lector” (2008), Mo´nique por “Preciosa” (2009) y Octavia Spencer por “Historias cruzadas” (2011).
  • Entre Sus actrices favoritas se cuentan Audrey Hepburn, Meryl Streep y Diane Keaton.
  • Mira a Meryl Streep, que es fenomenal, monstruosamente hermosa y de alguna manera es bizarro que ella nunca haya sido un sex symbol. Pero fue siempre sobre ella, y ahora no importa que esté envejeciendo, porque queremos seguirla viendo siendo una persona interesante".
  • Su actor favorito es Ben Kingsley.


"Tengo unos 400 guiones sobre el Holocausto. Eso te
pasa por ser una actriz abiertamente judía!”


Filmografía seleccionada:
2011 - Thor ………………………….. Jane Foster
2011 - ¿Su alteza? ................... Isabel
2011 - Amigos con derechos ……………………….. Emma Kurtzman
2010 - El cisne negro …………………………….. Nina Sayers
2009 - Hermanos …………………………. Grace Cahill
2009 - New York, I Love You …………………….. Rifka
2008 - La otra Bolena …………………………….. Anne Boleyn
2007 - Mr. Magorium's Wonder Emporium  …………………….Molly
2007 - Hotel Chevalier (short) ………………….. Jack's Girlfriend
2007 - Viaje a Darjeeling ……………………… Jack's Ex-Girlfriend
2007 - El sabor de la noche  …………………….Leslie
2006 - Los fantasmas de Goya ………………………………… Inés / Alicia
2006 - Paris, je t'aime ………………… Francine
2005 - V de venganza ……………………….. Evey
2005 - Free Zone …………………………….. Rebecca
2005 - Star wars: Episodio III - La venganza de los sith …………….. Padmé
2004 - Closer: Llevados por el deseo ………………………….. Alice
2004 - Tiempo de volver ……………………….. Sam
2003 - Regreso a Cold Mountain …………………… Sara
2002 - Star wars: Episodio II - El ataque de los clones ……………Padmé
2000 - Where the Heart Is …………………………. Novalee Nation
1999 - Cambio de vida ………………………. Ann August
1999 - Star wars: Episodio I - La amenaza fantasma ……… Reina Amidala / Padmé
1996 - ¡Marcianos al ataque! .......................... Taffy Dale
1996 - Todos dicen te quiero ……………………………. Laura Dandridge
1996 - Beautiful Girls …………………….. Marty
1995 - Fuego contra fuego ………………….. Lauren Gustafson
1994 - El perfecto asesino ……………….. Mathilda

Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com


martes, 3 de abril de 2012

Premios "Oscar" 2012




El 26 de febrero pasado se realizó la 84ª entrega de los premios Oscar 2012, en un show nuevamente conducido por el comediante Billy Crystal.


Esta es la lista de ganadores y sus eventuales competidores.









Mejor Película
El Artista (The Artist): Thomas Langmann


Otros Nominados:
Los descendientes (The descendants): Jim Burke, Alexander Payne, Jim Taylor
Tan fuerte y tan cerca (Extremely Loud & Incredibly Close): Scott Rudin
Historias cruzadas (The Help): Brunson Green, Chris Columbus, Michael Barnathan
La invención de Hugo Cabret (Hugo): Graham King, Martin Scorsese
Medianoche en París (Midnight in Paris): Letty Aronson, Stephen Tenenbaum
El juego de la fortuna (Moneyball): Michael De Luca, Rachael Horovitz, Brad Pitt
El árbol de la vida (Tree of Life): Sarah Green, Bill Pohlad, Dede Gardner, Grant Hill
Caballo de guerra (War Horse): Steven Spielberg, Kathleen Kennedy

Mejor Actor
Jean Dujardin por El artista (2011)

Otros Nominados:
Demián Bichir por Una vida mejor (A Better Life)
George Clooney por Los descendientes
Gary Oldman por El topo (Tinker Tailor Soldier Spy)
Brad Pitt por El juego de la fortuna

Mejor Actriz
Meryl Streep por La Dama de Hierro

Otros Nominados:
Glenn Close por Albert Nobbs
Viola Davis por Historias cruzadas
Rooney Mara por La chica del dragón tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo)
Michelle Williams por Mi semana con Marilyn (My Week with Marilyn)

Mejor Actor de Reparto
Christopher Plummer por Beginners, así se siente el amor / Principiantes (Beginners)

Otros Nominados:
Kenneth Branagh por Mi semana con Marilyn
Jonah Hill por El juego de la fortuna
Nick Nolte por Warrior
Max von Sydow por Tan fuerte y tan cerca

Actriz de Reparto
Octavia Spencer por Historias cruzadas

Otros Nominados:
Bérénice Bejo por El artista
Jessica Chastain por Historias cruzadas
Melissa McCarthy por Damas en guerra (Bride Maids)
Janet McTeer por Albert Nobbs


Mejor Director
Michel Hazanavicius por El artista


Otros Nominados:
Woody Allen por Medianoche en París
Terrence Malick por El árbol de la vida
Alexander Payne por Los descendientes
Martin Scorsese por La invención de Hugo Cabret

Mejor Guión Original
Medianoche en París: Woody Allen


Otros Nominados:
El artista: Michel Hazanavicius
Damas en guerra: Kristen Wiig, Annie Mumolo
Margin Call:  J. C. Chandor
La separación (Jodaeiye Nader az Simin): Asghar Farhadi

Mejor Guión Adaptado
Los descendientes: Alexander Payne, Nat Faxon, Jim Rash


Otros Nominados:
La invención de Hugo Cabret: John Logan
Secretos de estado (The Ides of March): George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
El juego de la fortuna: Steven Zaillian, Aaron Sorkin, Stan Chervin
El topo: Bridget O'Connor, Peter Straughan

Mejor Película Animada
Rango: Gore Verbinski


Otros Nominados:
Une vie de chat: Alain Gagnol, Jean-Loup Felicioli
Chico & Rita: Fernando Trueba, Javier Mariscal
Kung Fu Panda 2: Jennifer Yuh
Gato con botas (Puss in Boots): Chris Miller

Mejor Película Extranjera
La separación: Asghar Farhadi (Irán)

Otros Nominados:
Rundskop: Michael R. Roskam (Bélgica)
Hearat Shulayim / Footnote: Joseph Cedar (Israel)
In Darkness: Agnieszka Holland (Polonia)
Monsieur Lazhar: Philippe Falardeau (Canadá)

Mejor Fotografía
La invención de Hugo Cabret: Robert Richardson



Otros Nominados:
El artista: Guillaume Schiffman
La chica del dragón tatuado: Jeff Cronenweth
El árbol de la vida: Emmanuel Lubezki
Caballo de guerra: Janusz Kaminski

Mejor Edición
La chica del dragón tatuado: Angus Wall, Kirk Baxter

Otros Nominados:
El artista: Anne-Sophie Bion, Michel Hazanavicius
Los descendientes: Kevin Tent
La invención de Hugo Cabret: Thelma Schoonmaker
El juego de la fortuna: Christopher Tellefsen

Mejor Dirección de Arte
La invención de Hugo Cabret: Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo


Otros Nominados:
El artista: Laurence Bennett, Robert Gould
Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2: Stuart Craig, Stephenie McMillan
Medianoche en París: Anne Seibel, Hélène Dubreuil
Caballo de guerra: Rick Carter, Lee Sandales

Mejor Vestuario
El artista: Mark Bridges

Otros Nominados:
Anónimo (Anonymous): Lisy Christl
La invención de Hugo Cabret: Sandy Powell
Jane Eyre: Michael O'Connor
W.E.: Arianne Phillips

Mejor Maquillaje
La dama de hierro: Mark Coulier, J. Roy Helland

Margaret Thatcher y su personificación.
Empezando la transformación.

Otros Nominados:
Albert Nobbs: Martial Corneville, Lynn Johnson, Matthew W. Mungle
Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2: Nick Dudman, Amanda Knight, Lisa Tomblin

Mejor Música
El artista: Ludovic Bource

Otros Nominados:
Las aventuras de Tintín - El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin): John Williams
La invención de Hugo Cabret: Howard Shore
El topo: Alberto Iglesias
Caballo de guerra: John Williams

Mejor Canción
Los Muppets: Bret McKenzie ("Man or Muppet")


Otros Nominados:
Rio: Sergio Mendes, Carlinhos Brown, Siedah Garrett ("Real in Rio")

Mejor Sonido
La invención de Hugo Cabret: Tom Fleischman, John Midgley

Otros Nominados:
La chica del dragón tatuado: David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce, Bo Persson

El juego de la fortuna: Deb Adair, Ron Bochar, David Giammarco, Ed Novick
Transformers: El lado oscuro de la luna (Transformers: Dark of the Moon): Greg P. Russell, Gary
Summers, Jeffrey J. Haboush, Peter J. Devlin
Caballo de guerra: Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson, Stuart Wilson

Mejor Edición de Sonido
La invención de Hugo Cabret: Philip Stockton, Eugene Gearty

Otros Nominados:
Drive: Lon Bender, Victor Ray Ennis
La chica del dragón tatuado: Ren Klyce
Transformers: El lado oscuro de la luna: Ethan Van der Ryn, Erik Aadahl
Caballo de guerra: Richard Hymns, Gary Rydstrom

Mejores Efectos Visuales
La invención de Hugo Cabret: Robert Legato, Joss Williams, Ben Grossmann, Alex Henning


Otros Nominados:
Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2: Tim Burke, David Vickery, Greg Butler, John
Richardson
Gigantes de acero (Real Steel): Erik Nash, John Rosengrant, Danny Gordon Taylor, Swen
Gillberg
El Planeta de los Simios: (R)Evolución (Rise of the Planet of the Apes): Joe Letteri, Dan
Lemmon, R. Christopher White, Daniel Barrett
Transformers: El lado oscuro de la luna: Scott Farrar, Scott Benza, Matthew E. Butler, John
Frazier

Mejor Documental
Undefeated (2011): Daniel Lindsay, T.J. Martin, Rich Middlemas

Otros Nominados:
Hell and Back Again (2011): Danfung Dennis, Mike Lerner
If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front (2011): Marshall Curry, Sam Cullman
Paradise Lost 3: Purgatory (2011): Joe Berlinger, Bruce Sinofsky
Pina (2011): Wim Wenders, Gian-Piero Ringel

Mejor Corto Documental
Saving Face (2011/II): Daniel Junge, Sharmeen Obaid-Chinoy

Otros Nominados:
The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement (2011): Robin Fryday,
Gail Dolgin
God Is the Bigger Elvis: Rebecca Cammisa, Julie Anderson
Incident in New Baghdad (2011): James Spione
The Tsunami and the Cherry Blossom (2011): Lucy Walker, Kira Carstensen

Mejor Corto Animado
The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore (2011): William Joyce, Brandon Oldenburg

Otros Nominados:
Dimanche (2011): Patrick Doyon
La Luna (2011): Enrico Casarosa
A Morning Stroll (2011): Grant Orchard, Sue Goffe
Wild Life (2011): Amanda Forbis, Wendy Tilby

Mejor Cortometraje
The Shore: Terry George, Oorlagh George

Otros Nominados:
Pentecost (2011): Peter McDonald
Raju (2011): Max Zähle, Stefan Gieren
Time Freak (2011): Andrew Bowler, Gigi Causey
Tuba Atlantic (2010): Hallvar Witzø

Actores, productores y director de El Artista, y por supuesto, Uggie, el perrito atracción.

Películas con más premios:
El artista (5)
La invención de Hugo Cabret (5)
La dama de hierro (2)

Películas con más nominaciones:
La invención de Hugo Cabret (11)
El artista (10)
Caballo de guerra (6)
El juego de la fortuna (6)
Los descendientes (5)
La chica del dragón tatuado (5)
Historias cruzadas (4)




Lic. Diana Lombardo
E-mail: dlombardo74@gmail.com





jueves, 22 de marzo de 2012

Chaplin y Keaton

Charlie Chaplin

De todos los íconos que el cine ha dejado quizás sea el de Chaplin la más universal y perdurable. Seguramente por haber sido capaz de aunar la comedia y el melodrama como ningún otro, risas y lágrimas en un solo personaje.

     Frágil, astuto pero tremendamente tímido, su personaje de Charlie, Charlot o Carlitos, el vagabundo que encarnó la tragedia del individuo ahogado por la masa, en una sociedad que avasalla con todos, fue la figura que consiguió provocar una ternura infinita en todos los espectadores.


Chaplin debutó en el cine en 1914 y fue en su segunda interpretación (Carreras sofocantes) cuando apareció con la vestimenta que lo haría famoso: con bigotito, sombrero bombín, chaqueta encogida –o un talle más chica– bastón de bambú y zapatones enormes que acentuaban su caminar gracioso. Ese año, bajo las órdenes de Mack Sennett, realizó 35 cortos en la productora Keystone. (Carlitos bailarín, Carlitos camarero, Carlitos pintor, El romance de Carlitos, entre otros).

     En 1915 pasó a la Esanay, donde realizó 14 films (Carlitos marinero, Carlitos boxeador, Carlitos vagabundo, Carmen) y de ahí a la Mutual, donde tuvo más libertad para actuar y dirigir. En un año realiza 12 cortos (Carlitos patinador, Carlitos prestamista).

     Al finalizar su contrato se incorporó a la First National, quien le pagó la astronómica cifra de un millón de dólares por ocho mediometrajes y le concedió la propiedad de sus obras. Esto le permitió un caudal de riqueza que le permitió abrir su propio estudio en 1917, Chaplin Film Co., con la que pudo dedicarse a proyectos más personales y más ambiciosos y en donde rodó algunos de sus títulos más notables: Vida de perro, Día de pago, ¡Armas al hombro!, y El chico. Junto al niño Jackie Coogan, en “El chico” (1920) recogió  con lírica y humor las penurias de una infancia miserable, no muy alejada de su historia personal y la obra se convirtió en un suceso de inmediato.


Fotos del film: "El chico"
Por aquel entonces, Chaplin había fundado –en 1919– junto a Mary Pickford, Douglas Fairbanks y D.W. Griffith una productora mayor: la United Artists. Su primer trabajo para esta firma fue “Una mujer de París” (1923), melodrama concebido para lucimiento de su actriz preferida Edna Purviance.

"La quimera del oro"
En 1925 llegaría “La quimera del oro”, su obra maestra. Un film repleto de gags y en donde explota el potencial cómico de situaciones agridulces e incluso de gran crudeza social (por ejemplo, la secuencia en donde saborea delicadamente una bota cocida ante la imposibilidad de otro alimento). Este film presenta una rareza en los productos de Chaplin: tiene un final feliz.

     Luego vendría  “El circo” (1927) que consolidó su genio como mimo y su talento.

"La quimera del oro"
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“Mi método para encontrar el argumento de una
película es sencillo. Consiste en meter a la gente en
apuros y hacerla salir de ellos”.
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Chaplin entra en la década del 30 reticente de los poderes del sonido en el cine, negándose a renunciar a la pureza que para él representaba el cine mudo y manteniéndose obstinadamente callado. En pleno furor del cine sonoro dirige las cintas mudas “Luces de la ciudad”, su film más sentimental  y  “Tiempos modernos”  (1935), ambas con gran éxito de público. “Tiempos modernos” es una crítica del maquinismo y de la automatización del individuo, y que funcionó como vehículo de despedida para su vagabundo, ya que Chaplin suponía que al introducir a su vagabundo al sonido debía cambiarle características intrínsecas, que lo alejaban de su esencia.

"Tiempos modernos"
Posteriormente, con “El gran dictador” (1940), tremenda parodia de Hitler y Mussolini, se transformó en la conciencia del mundo occidental.

Imágenes del film: "El gran dictador"
El film fue ideado por Chaplin en 1937 pero se estrenó dos años después, en plena Segunda Guerra Mundial. Para muchos fue un acto de valentía, pero otros tanto lo criticaron, considerándolo de mal gusto.


     En “Monsieur Verdoux” (1946) un hombre mantiene a su familia casándose con mujeres ricas y asesinándolas para quedarse con su dinero. Establecía un paralelismo entre los crímenes del protagonista y las grandes potencias en período de guerra.

     “Guerras, conflictos… son negocios. Un asesinato hace a un villano, millones un héroe. Los números santifican”, dice Verdoux.

     Su estreno coincidió con su enfrentamiento con las instituciones estadounidenses, intolerantes con su ideología liberal y fue otra excusa para justificar la persecución a la que fue sometido por el gobierno. La mordacidad con que Chaplin criticaba problemas sociales y satirizaba muchos de los aspectos de la vida estadounidense creó mucha polémica y lo puso en el centro de atención del Comité de Actividades Anticomunistas, que había comenzado su “caza de brujas”. Teniéndolo en la mira pero sin poder probarle nada, aprovechan su viaje a Inglaterra para el estreno de “Candilejas” (1952) y no le permiten reingresar al país.

Protagonizando "Monsieur Verdoux"
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“Ser todo intelecto sin nada de sensibilidad puede ser la característica de un criminal consumado. Ser todo sensibilidad sin nada de intelecto es el ejemplo del idiota inofensivo. Cuando intelecto y sensibilidad están equilibrados tenemos al actor superlativo”.  Charles Chaplin
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Chaplin es considerado uno de los grandes realizadores del cine norteamericano, cuyas películas fueron y siguen siendo populares en todo el mundo, habiendo ganado mayor notoriedad con el paso del tiempo. Sus films muestran, a través de la visión positiva del vagabundo de un mundo caótico, que el espíritu humano se mantiene igual.


Buster Keaton

El silencioso talento de la inexpresividad de “cara de palo”, como se lo conocía, es uno de los puntos culminantes del cine mudo de Hollywood. Keaton fue el filósofo impávido y perplejo lleno de curiosidad que contemplaba la realidad con la esperanza de comprender sus secretos, desde lo más simple a lo más complejo. Sus extraordinarios "gags" con frecuencia surgen de visiones surrealistas del  peligro y la fragilidad de la vida humana. Como cuando, en medio de un huracán, el viento provoca la caída de la fachada de un edificio que se precipita sobre él y consigue salvarse al estar parado en el único lugar en donde hay una ventana abierta.

Buster Keaton
Cuando su carrera en teatro comenzaba a surgir, Keaton se interesó en el cine. Se unió entonces a la compañía de "Fatty” Arbuckle, quien notó su talento y lo puso a coprotagonizar sus propios films. Luego de varios cortos exitosos como dupla, el productor Joseph Schenck le ofreció ser protagonista de sus propias películas, mientras Arbuckle comenzaba a rodar su primer largometraje.

     Entre los años 1920 y 1923, Keaton realizó un largometraje y 19 cortos; entre 1923 y 1928, con un nuevo productor, realizó diez largos más. En esa época tuvo absoluto control sobre los films, realizando rodajes bastante caros ya que llegó a utilizar una locomotora y un trasatlántico. Después no volvió a controlar el aspecto creativo de sus películas.



Buster Keaton comenzó a protagonizar una serie de comedias que lo lanzaron a la fama como “Una semana”, “La mudanza”, “La casa eléctrica” y “El gran espectáculo”; es en esta época en donde moldeó su personaje, un joven tragicómico que enfrenta desgracias con una absoluta inexpresividad, lo que le valió el mote de “cara de palo”. Sin sonreír jamás (para acrecentar el misterio se dijo que estaba especificado en su contrato que no podía sonreír en público), su personaje era capaz de las acrobacias más increíbles en medio del peligro para luego permanecer largo tiempo inmóvil, considerando la situación. Su proverbial misoginia y terror al género femenino fueron también fuente inagotable de sus "gags" ingeniosos y hasta surrealistas.


Imágenes de la comedia titulada "Una semana"
Nadie como Keaton ha utilizado mejor el género cómico para explicar la lucha contra la adversidad, las ironías del ser humano, la lucha por sobrevivir en un mundo extraño y hostil.

     Todo lo que ocurre en sus películas parece estar sucediendo por azar y en ese preciso instante, sin embargo, Keaton era un constructor meticuloso de sus "gags". Cierto es que la complejidad de su humor le forzaba a idear chistes aparatosos y enredados.


Afiche de "El cameraman"
Fue ante todo un poeta, un inteligente acróbata que incluía en sus películas agudas reflexiones sobre la naturaleza misma del cine (“Tres edades”, 1923, que parodia a Intolerancia, de Griffith; “El moderno Sherlock Holmes”, 1924 en donde un proyeccionista sueña con ser un detective y milagrosamente, se encuentra dentro de la película que está proyectando; y “El cameraman”,1928) y la naturaleza equívoca de las apariencias.

     Aparte de las tres anteriores, la película que define a Keaton es “El maquinista de la General” (The General) (1925). Basada en un hecho real, ambientado en la guerra de Secesión, que trata sobre el secuestro de un tren confederado por parte de los soldados de la Unión, Keaton cambia el punto de vista y ubica al protagonista como un sureño, es decir, los “malos” para el público estadounidense.

     La película es una reivindicación de lo que un hombre solo puede conseguir por recuperar las dos cosas que más ama, en este caso, su locomotora y su novia.

     Es considerada hoy en día una obra maestra, pero en el momento de su estreno fue un fracaso.

Imagen del film "El maquinista de la general"

La presencia de Keaton y Chaplin no deben hacernos olvidar a la multitud de cómicos que ayudaron a crear la comedia muda. Entre ellos Max Linder (amante de los "gags" surrealistas y gran mimo), Fatty Arbuckle (el gordito simpático), Harry Langdon (payaso de la cara triste, niño eterno), Harold Lloyd (tímido y acomplejado hombre moderno asediado por los peligros del mundo moderno), o los Keystone Cops de Mack Sennett (grupo de policías que en su intento de mantener el orden termina causando todo tipo de caos y destrucción).


Lic. Diana Lombardo
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